SEMINARIO 2017-2018: ¿NUEVAS PRÁCTICAS POÉTICAS?
Toda poesía es posible.
Un año más ¿Nuevas Prácticas Poéticas? el seminario que, desde hace 3 años, tengo el gusto de coordinar junto a Begonya Pozo, poeta y Vicedecana de la Facultat de Filología, Traducció i Comunicació de la Universitat de València.
Y seguimos en nuestro empeño de mostrar otras formas de hacer poesía, de solidificar términos líquidos y de estudiar la poéticas vivas en el momento en que suceden, antes incluso de que sean susceptibles de formar parte de ningún plan de estudios. Un seminario para el ahora. Que viene a intentar enriquecer el panorama de la poesía ortodoxa y a expandir el hecho poético más allá de cualquier canon.
Este curso, además de pasearnos por subgéneros poéticos como el spoken word, la holopoesía, polipoesía, poesía maquinal, trasmedia y objetual, haremos hincapié en analizar el nuevo paradigma relacional entre poetas/lectores y entre poesía/mercado que está posibilitando el fenómeno pop de las poesía en las redes sociales.
Porque toda poesía es posible!!!
Y seguimos en nuestro empeño de mostrar otras formas de hacer poesía, de solidificar términos líquidos y de estudiar la poéticas vivas en el momento en que suceden, antes incluso de que sean susceptibles de formar parte de ningún plan de estudios. Un seminario para el ahora. Que viene a intentar enriquecer el panorama de la poesía ortodoxa y a expandir el hecho poético más allá de cualquier canon.
Este curso, además de pasearnos por subgéneros poéticos como el spoken word, la holopoesía, polipoesía, poesía maquinal, trasmedia y objetual, haremos hincapié en analizar el nuevo paradigma relacional entre poetas/lectores y entre poesía/mercado que está posibilitando el fenómeno pop de las poesía en las redes sociales.
Porque toda poesía es posible!!!
¿A qué llamamos Spoken
Word? ¿Es un simple anglicismo para definir un recital de
poesía? ¿Es un género en sí mismo? ¿Es la forma literaria más
antigua de la humanidad?
El Spoken Word tal y
como lo conocemos hoy en día hunde sus raíces en las tradiciones
anglosajonas y europeas, aunque es necesario tener en cuenta que cada
pueblo cuenta con su propia tradición oral e incorpora sus
características autóctonas a la corriente escénica. En Estados
Unidos el Spoken Word actual tiene una relación directa con la
tradición beat, los movimientos revolucionarios de los años
sesenta, la cultura afroamericana del jazz, el blues y el hip hop. En
otros países de Norteamérica como Canadá hay cierta tendencia a
encontrar más elementos del cabaret y el surrealismo, junto con una
gran tradición de poesía fonética y sonora. En Europa, las
corrientes menos mainstream de la poesía escénica suelen incorporar
elementos dadaístas y surrealistas, contando también con las
propias tradiciones locales ancladas en las vanguardias de principios
de siglo XX. En la península ibérica contamos con nuestras formas
métricas tradicionales de origen oral, como los romances y la poesía
juglaresca, que se entrelazan con formas más modernas para tejer un
tapiz que extiende su origen a través de los siglos.
En la charla Spoken Word Roots intentaremos abordar y clarificar la diferencia entre el Spoken Word visto desde el punto de vista histórico y el Spoken Word como género poético para centrarnos en el segundo, en sus raíces, características, poéticas y políticas.
Mónica Caldeiro
(Barcelona) es escritora, poeta Spoken Word, traductora literaria e
investigadora independiente. Es filóloga hispánica y cursó el DEA
en filología inglesa, especializándose en poesía norteamericana de
siglo XX. Su principal foco de investigación es la literatura de la
Generación Beat.
Como poeta, es
autora de dos libros de poemas: la música de los planetas (Madrid:
Ya lo dijo Casimiro Parker, 2015) y vaginas, cartografías y
asteroides (San Juan: Editorial Isla Negra, 2013). En 2012 reunió la
antología de joven poesía gallega Como cantan las piedras (San
Juan, Puerto Rico: Editorial Isla Negra) y su obra ha aparecido en
varias revistas y fanzines de España, América Latina y
Norteamérica.
Como artista Spoken
Word, ha llevado su obra por escenarios y festivales de toda la
península ibérica y ha leído sus poemas en ciudades como París,
Nueva York, San Francisco o Montréal. En 2011 fue poeta residente en
el programa de Spoken Word de The Banff Centre en Alberta, Canadá.
Como traductora,
dedica su energía y esfuerzo a traducir obra inédita de poetas no
canónicos de la Generación Beat. Destaca su traducción de A
tiempo, selección poética de la poeta beat Joanne Kyger que saldrá
este mismo otoño, y una compilación de poemas de la poeta Spoken
Word canadiense Sheri-D Wilson (que verá la luz en 2018). También
ha colaborado como prologuista y con la sección sobre Joanne Kyger
en la antología The Dharma Beats (Madrid: Varasek Ediciones, 2017).
En materia de ensayo, traduce principalmente psicología junguiana,
siendo traductora de tres libros de Robert A. Johnson.
http://www.monicacaldeiro.wordpress.com
2//LA LIRA DE LAS MASAS: INTERNET Y LA CRISIS DE LA CIUDAD LETRADA. Martín Rodriguez-Gaona
Los poetas recogidos, nacidos entre 1977 y 1990, con una amplia presencia femenina, ilustran las diversas alternativas que este fenómeno ha manifestado en España, desde el predominio de la autogestión y la edición independiente, hasta la consolidación de la representatividad juvenil y de género.
ESTUDIO SOBRE LA POESÍA NATIVA DIGITAL EN ESPAÑA
La lira de las masas
propone un estudio dividido en tres partes
(ensayo, muestra de poemas y una selección de documentos e imágenes)
que abordan la irrupción de un nuevo paradigma en la escritura
poética: el de la oralidad electrónica (electronalidad), tal y cómo
es practicada en internet por una nueva generación (conformada por
prosumers y poetas nativos digitales).
Las consecuencias de estos cambios
suponen una alteración significativa de los valores que conforman la
Ciudad Letrada (definida por Ángel Rama), cuyas fronteras son
erosionadas por estos nuevos agentes que trabajan, simultáneamente,
el texto y la imagen apoyándose en la interactividad, lo comunal y
la producción en tiempo real virtuales. No obstante, este proceso
tiene correspondencias históricas, por lo que el estudio toma como
modelo textos fundacionales como El pintor de la vida moderna
(Baudelaire), La rebelión de las masas (Ortega y Gassett) y Nueve
novísimos (Castellet).
Asimismo, el ensayo recoge referencias
múltiples que van de Platón hasta Marshall McLuhan y Alvin Toffler
para demostrar, rigurosamente, que estas mutaciones suponen el
surgimiento de otra cultura, con una sociabilización y unos valores
que corresponden a una sensibilidad y un lenguaje radicalmente
distintos (un fenómeno paradójico, en el que a la supuesta
democratización de la producción simbólica se opone la creación
incesante de celebridades y eventos, el culto a la extimidad, lo
superficial y lo efímero). Es decir, un proceso de
desindividualización propiciado por la hegemonía de la cultura
global electrónica.
Los poetas recogidos, nacidos entre 1977 y 1990, con una amplia presencia femenina, ilustran las diversas alternativas que este fenómeno ha manifestado en España, desde el predominio de la autogestión y la edición independiente, hasta la consolidación de la representatividad juvenil y de género.
Martín Rodríguez-Gaona
Bio
HOLOPOESÍA
Esquema del seminario:
1 - Mostrar hologramas de reflexión y
trasmisión, se podrán ver y tocar. ¿Qué es un holograma? -
El holograma, un espacio sin cercanía, ni lejanía, una apariencia, un
no-lugar, donde la imagen holográfica flota en un no-espacio y se desliga del
tiempo.
2 - Montaje de mesa óptica
3 - Holopoesía: término,
autores, imágenes
Durante todo el tiempo el
público podrá hablar y preguntar.
4 - Pondré algún vídeo para
mostrar mis trabajos.
1/ La palabra holograma viene del
griego holo todo, grama grabado = Todo grabado.
Pero ¿Qué es un holograma? La
holografía como la fotografía es una técnica que produce una
imagen en una película. El método utilizado para la grabación es
completamente distinto. Una fotografía crea una imagen bidimensional
del objeto, la película expuesta recibe el nombre de negativo, la
imagen que vemos grabada se corresponde con un único punto de vista
inamovible.
En la holografía, por el contrario,
queda registrada toda la información visual procedente del objeto,
su entorno y el espacio en que está. El holograma es un film o
película, en la cual lo que se graba es el espacio, esto quiere
decir que es multidimensional. Se hace sobre una mesa óptica que
hace de cámara holográfica. Al moverte delante de un holograma irás
viendo un ángulo diferente de ese espacio y de ese objeto.
2/Montaje mesa óptica
Montar una
maqueta de mesa óptica para mostrar cómo se hace un holograma.
3/ Holopoesía, término acuñado por
Eduardo Kac.
Para Kac, un holopoema es “un poema concebido,
realizado y expuesto de manera holográfica. Esto significa, en
primer lugar, que dicho poema se organiza de una forma no lineal en
un espacio inmaterial cuatridimensional y que va cambiando y
transmitiendo diferentes significados mientras el lector lo mira.
Trata las palabras como signos que puede cambiar y desaparecer.”
Kac subraya la importancia del carácter
interactivo del holopoema y plantea que la interactividad radica en
el hecho de que el movimiento natural del espectador frente al
holopoema es suficiente para cambiar lo que lee.
Digamos que un holopoema sería un
poema experimental suspendido en el espacio, que dependiendo de tu
ángulo de visión podrás verlo o no, esto quiere decir que aparece
y desaparece, pero si nos movemos iremos encontrando partes de un
todo.
Sin embargo, desde mi punto de vista,
cualquier espectador puede cambiar lo que lee o ve, ya aparezca en
papel, cristal, lienzo, holograma…etc.
Para mí la holografía o, mejor dicho,
los hologramas son un material más con el que se puede trabajar y un
holopoema es parte de la poesía visual – experimental, como los
poemas objeto, videopoemas, fotopoema, poema digital o hiperpoema
etc. Los holopoemas son poemas creados como un holograma con un
láser, espejos y lentes. Por otra parte creo que un holograma es
multidimensional ya que lo que se registra en él, como ya he
señalado, es espacio y el espacio tiene múltiples dimensiones.
Uno de los primeros holopoemas fue
creado por Dieter Jung en 1983, una frase suspendida en el aire, un
verso de Hans Magnus Enzensberger que significa "esta frase está
en el aire". No obstante, aunque presentado de manera
holográfica, para Kac, el verso seguía siendo lineal, clásico.
Quizá por ello se considera que los primeros holopoemas verdaderos
son los de Eduardo Kac quien pretendía desarrollar una nueva poética
visual.
Entre los pioneros de la holopoesía
también están: Julio Plaza y Augusto Campos.
4/ Trabajos Pepe Buitrago “La
apariencia de la realidad - la realidad de la apariencia”, es el
argumento de los trabajos que vengo realizando
desde hace casi 30 años. Una reflexión acerca de la delicada línea que discurre entre lo real y lo irreal,
la sutil barrera entre lo que conocemos y desconocemos, entre lo que la realidad nos muestra y nos oculta y,
a veces, ‘al descubrir lo que oculta, esconde lo que descubre’
Pepe Buitrago
BIO y OBRAS
BIO y OBRAS
4//Polipoesia. Eduard Escoffet
Després de repassar l’any passat el
panorama internacional de la poesia sonora, des dels seus inicis, als
anys cinquanta del segle passat, amb Bernard Heidsieck i Henri
Chopin, fins a l’actualitat, passant pel text-sound suec i els jocs
de Bob Cobbing, en aquesta edició parlaré de l’escena espanyola.
Tot i que no és ben bé fins als vuitanta quan comença a haver-hi
una nodrida escena, comparable amb la d’altres països europeus, en
poc temps s’ha desenvolupat una escena que, amb l’etiqueta de
poesia sonora, polipoesia o senzillament poesia, ha aportat moltes
veus pròpies.
Començarem el repàs amb dos referents essencials, tots dos valencians: d’una banda, Carles Santos (el seu memorable Voice tracks és de 1981) i Flatus Vocis Trio, el trio format per Fátima Miranda, Llorenç Barber i Bartolomé Ferrando. Continuarem comentant la generació posterior, la majoria de l’escena barcelonina dels noranta, amb noms com Xavier Sabater, Accidents Polipoètics (Xavier Theros i Rafa Metlikovec), Josep Ramon Roig i Enric Casasses. Finalment, veurem com a principis d’aquest segle la poesia salta definitivament a l’escenari i es consoliden escenes molt destacades en ciutats diverses, com Madrid, Sevilla, València i Bilbao.
Un dels aspectes importants de totes aquestes escenes és que barregen sense complexos tota mena de referents poètics i musicals, sense una gran necessitat de lligar-se a la poesia sonora o l’avantguarda en un sentit estricte. Podríem parlar de maneres pròpies, que defugen les etiquetes i que busquen el contacte directe amb el públic; en un país massa monopolitzat per una idea vuitcentista de poesia, això ja és una revolució que encara ha de donar molts fruits. De fet, és fàcil adonar-se que qualsevol radiografia serà sempre parcial i personal, perquè no un no deixa mai de descobrir noves veus i veus que porten molt de temps però que no han tingut reconeixement més enllà d’un petit cercle.
Eduard Escoffet. Barcelona, 1979
Poeta y agitador cultural. Ha
practicado varias vertientes de la poesía (poesía visual, escrita,
instalación, poesía oral, acción poética), aunque su trabajo se
centra en la poesía sonora y el recital en directo. Aparte de su
actividad en la escena contracultural barcelonesa, ha presentado su
trabajo en festivales y programaciones de poesía de toda Europa, en
China, en Estados Unidos y en distintos países de Latinoamérica.
Es cofundador del colectivo projectes
poètics sense títol – propost.org. Fue codirector de Barcelona
Poesía (Festival Internacional de Poesía de Barcelona) entre 2010 y
2012 y dirigió el festival de prácticas poéticas actuales PROPOSTA
en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (2000-2004). En
paralelo, también ha trabajado como asesor en políticas culturales.
Fue comisario, junto a Eugeni Bonet,
del ciclo de cine Próximamente en esta pantalla sobre el
cine letrista en el MACBA (2005). Es coautor de las obras de
teatro ¡Wamba va! (con Gerard Altaió, Josep Pedrals y
Martí Sales, 2005), Puaj./Ecs. (con G. Altaió y J.
Pedrals, 2005) y La Belbel Underground (amb Carles Hac Mor
y G. Altaió, 2006). Ha publicado los libros de poesía Gaire (Pagès,
2012) y El terra i el cel (LaBreu, 2013), y el libro de
artista Estramps con Evru (2012). Con la banda de
electrónica Bradien, con la que lleva trabajando desde 2009, ha
publicado los discos Pols (spa.RK, 2012) y Escala (spa.RK,
2015).
5//Poesia maquinal. Eugenio Tisselli
¿En qué momento un simple paseo
individual se convierte en una aventura compartida? Quizás cuando
uno sale de casa sin saber a dónde le llevarán sus pasos y, a pesar
de esa incertidumbre originaria, llega a lugares mucho más extraños
de lo que jamás habría imaginado. Y, lo más importante, cuando el
caminante llega a ellos acompañado por seres fascinantes y
misteriosos. Este es el recorrido que quisiera contaros, y que está
basado en mi trabajo más reciente. Pero, más que hablar de mi
trabajo, que es en realidad un trabajo hecho por muchxs, quisiera
compartir con vosotrxs las preguntas que éste ha suscitado.
Partiendo desde la poética de las tecnologías digitales,
reflexionaremos juntos, de manera crítica, sobre qué significa
escribir en el Antropoceno. Nos preguntaremos qué puede ser una
escritura comunitaria y, sobre todo, quiénes son los que conforman
una comunidad. Pensaremos sobre las maneras en las que las
tecnologías que hoy usamos para escribir pueden convertirse en un
fármaco: algo de cuya dosificación depende la cura y, a la vez, la
enfermedad. Finalmente, exploraremos algunas de las herramientas que,
a lo largo de los últimos siete años he desarrollado y utilizado
para escribir junto con mi comunidad extendida.
Aquí podéis visitar algunos avances
del camino que seguiremos: http://ojovoz.net
Eugenio Tisselli (Ciudad de México,
1972) es un artista, programador, e investigador independiente con un
interés específico en el desarrollo de metodologías socio-técnicos
para la práctica comunitaria. Ha escrito herramientas de software
que, a su vez, permiten escribir poemas. Sus trabajos están reunidos
en http://motorhueso.net. En su papel como director del
proyecto ojoVoz (un conjunto de herramientas de código
abierto para la creación de memorias comunitarias) ha llevado a cabo
talleres extendidos con las comunidades en riesgo de exclusión en
diferentes partes del mundo. Se dedica hace más de 10 años al arte
digital en concreto a la poesía digital, esto es, trabajar con
textos con una manera de escritura en los medios digitales. La poesía
digital se utiliza para realizar una manera de escritura que utiliza
diferentes medios, como la naturaleza multimedia del ordenador, las
posibilidades textuales y las de cálculo. Se interesa mucho en temas
de combinatoria, manipulación y distorsión de texto, y en recrear
una especie de conjunción entre lo que es la escritura y la poesía
y la manipulación de elementos en tiempo real. Trabaja actualmente
en un software que creo hace años llamado MidiPoet y que le permite
manipular en tiempo real imágenes y textos. Utilizando el programa,
suele hacer performance poéticas, en las cuales a veces escribe
textos en vivo o realiza escritos combinatorios con imágenes. Sobre
MidiPoet: creado en 1999, la comenzó a utilizar precisamente con
poetas en recitales de poesía, y a partir de esa experiencia
escribió un manifiesto, el manifiesto “Text Jockey”. Su idea era
hacer con el texto lo mismo que habían hecho los DJ's hasta ese
momento con la música. Cuando tenía 10 años sus padres lo llevaron
a un curso de informática para niños y ahí aprendió a programar,
quedó fascinado con la experiencia. Aunque para aquel entonces su
casa carecía de ordenadores, iba programando juegos en papel. Luego
de dos años sus padres le compraron un Commodore 64 y ahí
copió los juegos que había hecho en papel a la pantalla (obviamente
muchos no funcionaron). Luego esos juegos los fue implementando a lo
largo de su vida y desde ahí se considera prácticamente programador
no solamente como oficio sino como su manera de expresión. Su
habilidad como programador y las ganas que tiene de trabajar con
diferentes facetas de arte digital lo han llevado a trabajar con
Marcel.li Antunez y con Antoni Abad entre otros. Le gusta colaborar
con otros artistas ya que le permite salirse totalmente de lo que él
hace. Cuando aprendió a programar su primera inquietud fue hacer
juegos, era más un tema de diversión, de disfrutar programando.
Basándose en el disfrute, interpretó su profesión como algo que
permite expresar, que permita crear formas digitales que de alguna
forma sean expresivas, o que generan alguna reflexión, que no sean
solamente estéticos si no también conceptuales y teóricos.
La poesía transmedia se ha introducido
en el mundo de la cultura con ánimo de cambio, de transformación.
No se trata únicamente de establecer mezclas coherentes entre
distintos lenguajes, se trata de buscar sinergias necesarias,
imprescindibles. El poema pierde parte de su identidad cuando
desaparece la música o cuando las visuales se apagan. Pierde también
si el poeta no está sobre el escenario y la interacción no se
vuelve repentinamente posible. Puedes seguir los textos, pero si
quieres disfrutar de la poesía transmedia es necesaria esa
interacción. El poeta se convierte en mago, en juglar contemporáneo
que utiliza sus sintetizadores como antes se usaban laúdes. El poeta
ha de convertirse en un creador multidisciplinar que escribe sus
textos pensando en la música que va a componer y en las animaciones
visuales que creará para la pantalla; de esta forma todos y cada uno
de los elementos se convierten en piezas de un puzzle que toma vida
sobre el escenario. La poesía transmedia convierte al poeta en un
creador multidisciplinar, en un ilusionista de la rítmica de la
palabra.
La sesión estará compuesta por dos
partes, en la primera de ellas se hablará de cómo se han
desarrollado las propuestas de arte multimedia que han derivado, en
el campo de la literatura, en la poesía transmedia. Se mostrarán
también ejemplos de instalaciones artísticas y poéticas donde el
sonido y la palabra encuentran nuevos ámbitos de expresión.
Posteriormente se realizará un recital
transmedia donde las visuales, las música y la poesía encuentran
sinergias en busca de una forma de expresión que multiplica los
elementos significantes. De esta forma todas las aportaciones se
entrelazan hasta hacerse interdependientes para transmitir la emoción
poética.
Oscar Martín Centeno. Licenciado en Historia y Ciencias de la
Mœsica, Master en Liderazgo y Gestión de Centros
Educativos.
Recibió el Premio Internacional
Florentino Pérez-Embid 2006 por su libro Espejos enfrentados,
publicado por la editorial Rialp en la colección Adonais. En 2007
recibió el Premio Nacional Nicolás del Hierro por su segundo libro
Las Cántigas del Diablo, publicado ese mismo año. También
en 2007 obtuvo el Premio Internacional Paul Beckett por su tercer
libro Sucio tango del
alma, publicado en el año 2008.
En 2010 recibió el Premio Internacional Antonio Gala de poesía,
por su libro Circe, publicado en
2011. En 2012 publicó Je suis le Diable. Las Cántigas.
Edición
ilustrada. Editorial Ya lo dijo
Casimiro Parker. Ha publicado, así mismo, los manuales para
docentes Manual de creación
literaria en la era de Internet (2009) y Animación a la
lectura
mediante las nuevas tecnologías
(2010).
Participa en numerosas antologías y
revistas literarias. Ha publicado artículos en revistas
nacionales e internacionales y sus
textos han sido traducidos al inglés, al alemán, al
francés y al griego.
Coordina el Centro de Estudios de la
Poesía de la U.P. José Hierro de San Sebastián de
los Reyes, así como el ciclo Poesía
en la Esfera del Ayuntamiento de Alcobendas.
Ha realizado conferencias e
intervenciones en numerosas universidades españolas y
europeas, así como para fundaciones y
empresas. Ha diseñado proyectos artísticos y
literarios para entidades como el Museo
Reina Sofía o el Museo Thyssen-Bornemisza
entre otros.
Ha realizado recitales poéticos donde
la música en directo y el uso de las nuevas
tecnologías audiovisuales acompañan
la lectura de los versos. Sus espectáculos han sido
presentados como una nueva forma de
entender y disfrutar la literatura, cosechando
excelentes críticas, tanto por las
propuestas literarias como por sus creaciones musicales
y visuales. Está especialmente
interesado en la integración entre diversos lenguajes
artísticos, así como en las últimas
propuestas multimedia que se aplican al mundo
literario.
Como comunicador ha obtenido varios
premios por sus programas de radio para internet,
y ha desarrollado estrategias de
comunicación para diversos organismos.
Puede consultarse más información en:
www.oscarmartincenteno.com
7//Discursos sin norma. Poesía objetual y revistas ensambladas. Antonio Gómez.
Residente en Mérida desde 1977, en la
capital extremeña arraigó no solo vitalmente sino como creador y
desde allí viene desarrollando una activísima labor: impulsó en
1979 “Lo experimental en lo poético”, la primera muestra de ese
carácter realizada en Extremadura; idea, diseña y coordina las
“Hojas parroquiales de Alcandoria” que publica 28 hojas entre
1982 y 1984; edita las siete cajas de la colección “Arco Iris”,
que comprende 49 autores entre 1984 y 1986 y el libro-objeto “La
Pirámide”, con otros 44 autores (1990). Dirigió la colección “La
Centena” que publicó cien títulos de otros tantos autores entre
1986 y 1993. Coordina y dirige el “Archivo de poemas manuscritos
por los propios autores” (más de 370 autores distintos) y la
carpeta de obra gráfica y poesía visual “Píntalo de verde”, o
la serie “3 x 3”, iniciada en 2010 en la Editora Regional de
Extremadura, todo ello, como se ve (o se adivina) en una línea de
permanente investigación y creatividad formal. Es responsable del
Aula Literaria “Jesús Delgado Valhondo”, con publicaciones y
actos públicos en que participan creadores de prestigio nacional y
coordina la publicación de poesía-objeto “La caja de truenos”.
Ha formado parte de los consejos de redacción de revistas como
Metphora, Anaquel, El Urogallo y El Espejo y ha publicado poemas o
trabajos de investigación en multitud de publicaciones españolas y
extranjeras.
Cuestionarse los medios de expresión,
no asimilar lo establecido, no plantearse un proceso formal y lineal
lleva a desarrollar nuevas prácticas, estilos y técnicas, donde con
conceptos alternativos a lo tradicional y académico se consiguen
importantes interconexiones, encaminadas a mostrar argumentos con
valores autónomos y propios. Las revistas ensambladas evolucionan y
se desarrollan paralelamente al ritmo de los cambios sociales,
tecnológicos y creativos, sufriendo como ellos sus crisis y
superando estas con la fuerza que da el no perder contacto con la
realidad creativa. Las revistas ensambladas emergen por pura
necesidad, buscando a través de impactos visuales nuevas
posibilidades y claves expresivas.
No conocen límites, no les
afectan la leyes de mercado, no se rigen por modelos preconcebidos,
no pretenden ocupar el espacio de otros productos culturales, no son
actos puramente racionales, por contrario son emotivas, integradoras,
lúdicas y estimulantes.
 |
| Revista La Lata |
Discípulo de Carlos de la Rica en la
década de mayor brillo de la vanguardia conquense, formó parte del
grupo “Los Experimentales” y también se integró en otra
formación teatral de corta vida, “Garnacha”.Al amparo de estas
influencias empieza a desarrollar una actividad poética cuyos lazos
con Cuenca se rompen cuando traslada su residencia a Extremadura,
aunque periódicamente retorna con su obra a la ciudad natal,
mientras continúa mostrando de continuo una irresistible capacidad
creativa. Sobre sus inicios, el mismo Carlos de la Rica escribió
palabras laudatorias muy expresivas, al comentar su habilidad natural
para la poesía visual, es decir, para los versos dichos en
imágenes: "Él logra en este empeño poemas gráficos de
una belleza impresionante y dentro de un discurso enteramente en la
acera de la vanguardia". Aunque sus inicios discurrieron
por los cauces de la poesía discursiva, a partir de 1968 entró de
lleno en el campo de la visual en sus múltiples variantes: fónica,
concreto, objeto, etc.
En 1997 la Junta de Extremadura le
concede una beca a la creación y en 2000 la Editora Regional
extremeña inauguró su nueva colección literaria alternativa
“Vincapervinca” con una obra de Gómez, Peccata Minuta. Su obra
está presente en varios antologías y suele participar con
frecuencia en seminarios, cursos de verano y encuentros. Entre sus
premios se cuentan el de poesía Manuel Pacheco (Olivenza, 1984), el
de “Poesía mínima” (Baracaldo, 1988), el “Premi internacional
d’Investigacions Poétiques”(Barcelona,1995).
El nombre de Antonio Gómez cuenta con
un amplio reconocimiento internacional desde que Felipe Boso lo
incluyó en 1981 en el análisis “Poesía visual en España hoy”,
publicado en la revista Poesía, al que siguió la revista-arte La
Nevera, que en el suplemento El Congelador lo incorporó junto a
figuras ya entonces prestigiosas como Xabier Savater o Joan Brossa.
El repertorio se prolongó en 1997 cuando la revista Ínsula (núm.
603-604) analizó su trabajo en el monográfico “Ver la poesía: la
imagen gráfica del verso” y culminó en la exposición organizada
en Madrid por el Instituto Cervantes en 2009 sobre Escrituras en
libertad. Poesía experimental española e hispanoamericana del siglo
XX. Antes, el 17 de mayo de 2001 el programa “La aventura del
saber”, de La Dos, le dedicó el especio “Creadores”, en el que
durante 25 minutos se hizo un recorrido por la obra de Gómez, con
ilustración de varios de sus poemas visuales, además de ofrecer
reflexiones del autor y unas muestras de su trabajo como editor de
libros objetos. Desde 1999 viene participando activamente en foros
como la Feria de Arte Contemporáneao ARCO, Foro Sur, Tránsito,
Hotel y Arte, Contenedores, El puerto de las artes, etc., además de
estar presente en colecciones y museos españoles y alemanes.
La obra de Antonio Gómez, minoritaria
por su propia naturaleza, ha conseguido encontrar a fuerza de
constancia y dedicación un peculiar territorio en el que
desenvolverse. Como escribió Victor Infante, “cuando Antonio
Gómez nos enseña a ver las cosas como él las ve, ya nada puede ser
igual que antes. A partir de ese instante desconfías de cualquier
objeto, de cualquiera idea, de cualquier casualidad; se te queda
prendida en los ojos (para siempre) la imagen de un desconsuelo sin
medida, porque lo que te ha mostrado te pega de lleno en lo que
creías resuelto para siempre”. O, como señala Ariel Fernández
Aguas en un significativo resumen de la personalidad del autor, los
suyos son “poemas vivos nacidos para viajar, para volar, apóstatas
del volumen que les encierra y ata” o, siguiente a José Ángel
García, una poesia que “no nació para vivir enterrada en las
páginas-tumba de los libros porque nunca le hizo daño el aire
libre”.Dotado de una singular sensibilidad tanto para la palabra
como para la imagen, la obra de Antonio Gómez, ingente ya en
cantidad y en matices, viene a ser a estas alturas como un inmenso
fresco visual en el que conviven sensaciones, imagines, impactos,
sugerencias, incitaciones, para dar forma a un mundo de inmensas e
inagotables miradas sobre la imaginación creadora de Antonio Gómez.
Pero, como dice Miguel Ángel Lama en el prólogo a su antología
Apenas sin palabras, la obra experimental publicada en papel por este
creador total no es sino “la parte principal de una creación
poliédrica que puede partir del poema visual de inspiración
letrista o concreta, que continúa por el poema-objeto y sigue por la
poesía de acción, la instalación, el libro-objeto o el arte
postal”, para concluir con la opinión, que comparto
plenamente, de que “estamos ante el prospecto de una obra tan
sorprendente como múltiple”
SEMINARIO 2016-2017: ¿NUEVAS PRÁCTICAS POÉTICAS?
Un seminario anual para la poesía viva que apenas encuentras en los libros.
Y para ello contaremos con la presencia a lo largo de 6 citas de Gonzalo Escarpa, Mº Ángeles Hermosilla, Agustín Fernández Mallo, Eduard Escoffet, Alex Saum y María Salgado.Un lujo gratuito gracias a la universidad que facilita su libre acceso hasta completar aforo.
Y para aquellxs que no podáis acudir presencialmente, decíros que este año restrasmitiremos en streaming para todo el mundo.
Si quieres recibir información puntual sobre las sesiones escríbeme a david@edicionestrashumantes.es y te incluiré en el mailist del seminario.
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Regresamos con el seminario ¿Nuevas
Prácticas Poéticas? que tengo el gusto de coordinar junto a la
poeta y vVicedecana de la Facultat de Filología, Traducció y
Comunicació de la Universitat de València, Begonya Pozo. Un espacio
para la exhibición y la reflexión sobre las prácticas poéticas
contemporáneas. Una búsqueda de expandir los límites ortodoxos del
hecho poético y repensarlo en un contexto postmoderno.
Y para ello contaremos con la presencia a lo largo de 6 citas de Gonzalo Escarpa, Mº Ángeles Hermosilla, Agustín Fernández Mallo, Eduard Escoffet, Alex Saum y María Salgado.Un lujo gratuito gracias a la universidad que facilita su libre acceso hasta completar aforo.
Y para aquellxs que no podáis acudir presencialmente, decíros que este año restrasmitiremos en streaming para todo el mundo.
Si quieres recibir información puntual sobre las sesiones escríbeme a david@edicionestrashumantes.es y te incluiré en el mailist del seminario.
Nos vemos
1//Conferencia inaugural. David Trashumante
2//Perfopoesía. Gonzalo Escarpa
“PERFOPOESÍA/PALABRA-ESCENA-ACCIÓN/AQUÍ NO HAY QUIEN SE ENTIENDA/NO HAY NADA QUE ENTENDER"
Las poéticas plurales. La poesía expandida. Acuñar. El origen de los términos. Ponerle puertas al campo (semántico). La contaminación positiva. La contaminación negativa. La inespectacularidad del espectáculo poético. Grotowski. Guy Debord. Terrorismo poético. Luther Blisset. Poetas contra la poesía. Las lanzadoras de cuchillos. Nomenclaturas. Soporte, formato y género. Perfopoesía vs. perfoescritura. Mercado y ‘patafísica. Tú y yo.
A diferencia de la
tradición platónica, que separaba lo sensible de lo inteligible, en la poesía
visual ambas dimensiones aparecen interconectadas, como supo ver la
hermenéutica de la estética de la recepción alemana, de modo que ver y
comprender supone interpretar el objeto exterior (imágenes y textos). En ambos
casos la recepción no es pasiva, sino que vamos al encuentro del objeto con
esquemas previos que proyectamos sobre el texto visual, el cual, en último
término confirmarán o refutarán nuestra hipótesis de lectura.
Así, lo visual y lo verbal se rigen por reglas hermenéuticas similares que otorgan la plena significación al texto poético visual, tal como veremos en las diferentes clases de este tipo de poesía –letrismo, poesía concreta, poesía semiótica o poema objeto- que ilustraremos con ejemplos concretos de creadores de nuestro país.
Así, lo visual y lo verbal se rigen por reglas hermenéuticas similares que otorgan la plena significación al texto poético visual, tal como veremos en las diferentes clases de este tipo de poesía –letrismo, poesía concreta, poesía semiótica o poema objeto- que ilustraremos con ejemplos concretos de creadores de nuestro país.
Mª Ángeles Hermosilla Álvarez (Universidad de Córdoba)
Catedrática de
Teoría de la Literatura y Literatura Comparada en la Facultad de Filosofía y
Letras de la Universidad de Córdoba, ha
sido también Profesora Visitante en la Universidad de París 8 (1993 y 1999) y
en la de Pau et des Pays de l´Adour (octubre
de 2014). Ha impartido Seminarios y Cursos de Postgrado en distintas
universidades españolas (Salamanca, Extremadura, Carlos III de Madrid o la
Universidad Menéndez Pelayo de Santander) y extranjeras (Constanza y Heidelberg
en Alemania, Universidad Federal de Río Grande y Universidad Estadual de Feira
de Santana en Brasil, Rosario y Santa Fe en Argentina o la Universidad de la
República en Montevideo).
Como investigadora,
cuenta con 4 sexenios de investigación y 5 Autonómicos y ha trabajado en dos
Proyectos I+D concedidos por el Ministerio de Educación. Ha formado parte (1994
a 2008) del equipo de Investigación parisino TRAVERSES, centrado en el estudio
de la interacción de códigos (especialmente imagen y escritura), cuya labor se
recogió en la publicación en París de cuatro volúmenes y colabora con el grupo
de investigación feminista Gradiva (sede en París 8 y después en Universidad de
Pau et des pays de l´Adour). En 1989 se integró en el Grupo de Investigación TIEDPAAN
(Plan Andaluz de la Junta de Andalucía HUM-224) que, desde 1995, dirige en su
Universidad con el nombre de LENGUAJES.
Autora de más
de medio centenar de trabajos, en las
líneas de Hermenéutica, Autobiografía, Escritura de Mujeres y sobre las
relaciones Pintura- Literatura, sobresalen los libros:
-
La prosa de Manuel Azaña, Servicio de
Publicaciones de la Universidad de Córdoba, 1991.
-
Etnoliteratura, una Antropología de ¿lo imaginario?, Mª A. Hermosilla y M. de la Fuente (eds.), Servicio de Publicaciones
de la Universidad de Córdoba, 1997.
- Visiones del
Paisaje, Mª
A. Hermosilla et alii (eds.), Córdoba, Servicio de Publicaciones
de la Universidad de Córdoba, 1999.
-
Identidades Culturales, Mª A. Hermosilla y A.
Pulgarín (eds.), Córdoba, Servicio de Publicaciones de la Universidad de
Córdoba, 2001.
-
Autobiografía en España: un
balance, C. Fernández y Mª A. Hermosilla (eds.), Madrid,
Visor, 2004.
-
Etnoliteratura: lecturas de la
condición humana. Homenaje a Manuel de la Fuente Lombo, Mª
A. Hermosilla et alii (eds.), anejos de
Revista de Dialectología y Tradiciones Populares, tomo LX, cuaderno primero,
CSIC, Madrid, 2005.
-
Lenguaje, Literatura y Cognición, Mª L. Calero
y Mª A. Hermosilla (eds.), Servicio de Publicaciones de la Universidad de
Córdoba, 2013.
-
Las palabras y los días. Un enfoque comparatista del diario, C. Fernández y Mª A. Hermosilla (eds.), Madrid, Calambur (en prensa)
-
Feminismo
y literatura en la España actual, Mª Á. Hermosilla y Mª P. Cepedello (en
prensa)
En el apartado de
colaboración con instituciones públicas, pertenece al Consejo Andaluz de
Bibliotecas de la Consejería de Cultura (BOJA 1 de marzo de 2001), ha sido
integrante del Consejo Asesor de la Biblioteca de Creación Literaria de la
Diputación de Córdoba ( 2000 a 2004) y ha intervenido en actividades culturales
organizadas por diferentes instituciones: la Real Academia de Córdoba, donde
ingresó como “miembro correspondiente” en junio de 2012, el Ateneo, que, por su
colaboración en actividades literarias, le concedió la “Fiambrera de Plata” en
noviembre del mismo año y el Ayuntamiento de Córdoba.
-->
4//Ciberpoesía II. Álex Saum Pascual
Aunque siempre que
hablamos de ordenadores o de internet solemos aludir a su novedad y carácter
contemporáneo, en realidad la literatura creada por estas máquinas y espacios
virtuales no es nada nueva. O sí lo es, pero su novedad residiría en su
expresión cambiante y su capacidad de responder al entorno inmediato de hoy y
no en relación a su aparición junto a los primeros ordenadores, es decir, a los años
1950.
Novedosa o no, la
literatura electrónica (o e-literatura), que es así como vamos a referirnos a
aquella creada con ordenadores para (la mayoría de las veces) ser disfrutada en
los mismos, ha visto múltiples manifestaciones en sus casi 70 años de vida.
Desde las permutaciones y poemas combinatorios del principio, a la literatura
hipertextual de los 90 donde el lector era capaz de decidir el transcurso y
desenlace de la obra entre varios finales posibles, a la literatura en redes
sociales que vino de la mano de la web con novelas en blog o bots en twitter
(pequeños robots que crean prácticamente solos),
entre otros. La mayoría de los estudios sobre el tema han comparado su
evolución a la de las vanguardias históricas, entendiendo que la literatura
electrónica sería el desenlace lógico de esta evolución tecnológica (¿pues qué
es el ordenador sino la gran tecnología de hoy?) y respondiendo a su vez a las
presiones de la época postmoderna o altermoderna en la que ahora viviríamos.
Vista así, la e-literatura quedaría legitimada dentro de un marco histórico y
temporal que reconocemos y cuya dirección teleológica no nos supondría ningún
desafío.
Sin embargo, la
literatura electrónica podría también ser otra cosa. Podríamos considerarla
como una expresión directa de la máquina, su temporalidad y su historicismo (en
vez de la historia y temporalidad subjetivas que asociamos a nuestras historias
evolutivas humanas), explicando sus múltiples manifestaciones como una
respuesta directa a las necesidades tecnológicas de cada momento (y evitando
hablar de evolución, que es un concepto puramente humano y bastante cargado
ideológicamente). Podríamos entender la poesía cinética de rasgos concretos que
vemos en la actualidad, no como una evolución del concretismo histórico, sino
como una expresión de la nueva sensibilidad material del texto digital, así
como entender la fragmentación como un reflejo de la modularidad estructural de
todo objeto digital (y no como la fragmentación social del sujeto postmoderno).
De la misma manera, el fenómeno selfie debería explicarse como el juego
avatárico de la interfaz y no como el retrato del siglo 21. La condición
efímera de la anti-historia que vivimos sería una consecuencia directa de la
obsolescencia programada y la constante actualización de protocolos
programáticos, y no una respuesta al cambio social de la tan popular postverdad
y el presentismo en que vivimos, etc., etc., etc.
Quizás si estudiásemos
la literatura electrónica como resultado de la interacción de la máquina con nosotros
(y no como el producto del genio humano que utiliza la máquina como herramienta
inocua) podríamos tratar de comprender cómo nuestra relación con lo digital
está alterando nuestra condición humana (condición cyborg desde hace años, hoy
más robótica que nunca). La explosión de e-poesía online que ahonda en la
repetición, el loop, lo robado, el sujeto frío, etc., podría servirnos de
ejemplo para empezar a pensar sobre esta situación.
__
Alex Saum-Pascual es
profesora en la Universidad de California, Berkeley, donde imparte asignaturas
de literatura y cultura españolas (siglos XX y XXI) y literatura electrónica
(humanidades digitales). Es también parte del comité ejecutivo del Berkeley
Center for New Media. Su trabajo académico ha sido publicado en España, México
y Estados Unidos. Su obra artística y sus poemas digitales han sido expuestos
en galerías y festivales internacionales.
+INFO: http://www.alexsaum.com/
5//Postpoesía. Agustín Fernández Mallo
-->
5//Postpoesía. Agustín Fernández Mallo
A qué llamo postpoesía.
La historia de las ciencias y de las
artes, sobre todo en el siglo 20, se ha desarrollado a través de
mecanismos de “encuentros aparentemente azarosos”, eurekas o
“epifanía del objeto encontrado”. En la ficción, esto toma
forma en la concatenación de “microepifanías construidas” o
“ilusión de azar”. Fue este mecanismo el que indujo que, de
pronto, un urinario en un museo alcanzara el estatus de maravilla. La
disposición de un paraguas y una máquina de coser en una mesa de
operaciones fue una imagen clave de ciertas poéticas de las
Vanguardias de principios del siglo pasado porque obligaban a
formular la pregunta fundamental de su época, la pregunta del azar
ascendido a maravilla: “¿cómo es posible que el tiempo haya
juntado a esos tres objetos en un mismo espacio?” Se asumía que
esa convivencia de objetos era mágicamente obrada por el tiempo con
tal de dejarlo trabajar durante un indeterminado intervalo. En una
ampliación de esa línea, casi 40 años más tarde de aquellas
vanguardias, novelas como por ejemplo Rayuela sería motivo de
parabienes por un insospechado y fantástico mecanismo que la obra
lleva dentro: puede leerse barajando el orden de sus capítulos.
¿Cómo es posible que una novela pueda leerse “casi al azar”,
encadenando encuentros epifánicos, y que no obstante todo “confluya”
en un relato dotado de pleno sentido?, se preguntaban los lectores de
entonces.
Aparece así el fragmentarismo como una
de las grandes poéticas de la segunda mitad del siglo 20 y lo que va
del siglo 21. Pero, ¿quiere decir esto como vivimos en hoy en una
realidad fragmentada y, por lo tanto, por necesidad los textos que
emitimos al mundo también han de serlo? La duda es pertinente pues
toda apariencia nos indica que los modos de recibir, y diríamos que
también de abordar la realidad hoy nos son dados a través de
trozos, una suerte de inputs y outputs de entre los cuales sólo una
pequeña fracción pasará a la cadena perceptiva del cerebro en
forma de información útil, materia susceptible de ser convertida en
conocimiento u obras que el escritor emite. Dejando aparte el hecho,
habitualmente pasado por alto, de que en una sociedad compleja, como
lo es la del siglo XXI, la información ya es en sí misma
conocimiento, toda esa aparente fragmentación de las obras y de la
propia cotidianidad entra en contradicción con otro hecho que
también cada día, y simultáneamente al anterior, se nos repite:
vivimos en un mundo hiperconectado. Dicho de otro modo, ¿cómo es
posible que una realidad, o en nuestro caso una obra literaria, sea
fragmentada y al mismo tiempo adopte la forma de mundo
hiperconectado? ¿Cómo posible que algo fragmentado pueda estar al
mismo tiempo totalmente conectado entre sí?
En mi opinión la respuesta hay que
hallarla en otro lugar, en el paradigma que desde finales del siglo
pasado ha cobrado fuerza como modelo de representación de realidad:
las redes, y de las cuales, en literatura, no pocos autores
ejercieron de auténticos precursores. En efecto, vivimos sumergidos
en un red de redes analógicas y digitales –de las cuales lo que
llamamos Internet es tan sólo una más, una parte minúscula-, y
éstas alcanzan no sólo a la organización de la así llamada
Naturaleza sino también a casi todas las esferas del desarrollo
humano: los movimientos de mercancías entre países, la cadena
trófica de los animales de los territorios vírgenes y la cadena
trófica de los animales urbanos, el modo en el que las neuronas
intercambian señales, las migraciones humanas, el modo en que nuevas
amistades generan otras ya sea en la Red o en el ámbito físico, la
propagación de virus, el modo en que unas obras literarias influyen
en otras, y un larguísimo etcétera. Y todo ello, hoy lo sabemos, se
organiza espontáneamente siguiendo un modelo de red que técnicamente
se llama, red libre de escala.
No es el momento de detallar en qué
consisten este tipo de redes, baste decir que, tal como muestra la
imagen, son aquellas en las que algunos nodos de la red están muy
conectados, y otros apenas. Lo interesante del caso es que, en primer
lugar, se ha comprobado que es este tipo de red la que garantiza la
mayor conectividad y la mayor rapidez de intercambio de contenidos
entre sus nodos. En segundo lugar, que es una organización
espontánea, no previamente pensada: nadie ha pensado cómo debía
ser la topología de Internet del mismo modo que nadie ha pensado
cómo debía ser la topología en la que se asienta el funcionamiento
de las neuronas, y tampoco nadie ha diseñado la red de la cadena
alimentaria de tal suerte que una hormiga y un león estén
conectados. ¿Y qué ocurre en la novela y con la poesía? Cuando se
mira desde esta óptica, el discurso apocalíptico acerca del fin de
la novela y de la poesía como conjunto de textos bien diseñados de
desvanece en virtud de la coherencia interna de las redes, su orden
interno. Este orden es muy parecido al de un organismo vivo –es
decir, al de un ente que es estimulado según leyes internas-, en
contra de la visión de antaño, más bien parecida a una
organización –un ente que se rige según leyes externas-. En este
sentido, organismo y organización son conceptos antitéticos.
Textos, imágenes,
sonidos que vienen pues organizados no mediante fragmentos o collages
sino que se organiza en modo red. Y quisiera insistir en que el modo
red es contrario al modo fragmentado. Es como cuando vemos una
confusión de elementos y un simple giro del caleidoscopio nos lleva
a ver todo aquello como algo tremendamente coherente: eso es red. A
esta manera de escribir es a lo he llamado Postpoesía, y es lo que,
en general, atraviesa toda mi obra.
Agustín Fernández Mallo
Agustín Fernández Mallo (La Coruña,
1967) es licenciado en Ciencias Físicas. Entre 2006 y 2009 publica
el Proyecto Nocilla (Alfaguara), que consta de las novelas, Nocilla
Dream, Nocilla Experience y Nocilla Lab, galardonadas con diferentes
premios. Es autor del libro de relatos, El hacedor (de Borges),
Remake (Alfaguara). Su última novela es Limbo (Alfaguara, 2014). Ha
sido traducido a varios idiomas. En el año 2000 acuñó el término
Poesía Postpoética, reflejada en los poemarios Yo siempre regreso a
los pezones y al punto 7 del Tractatus (2001, reedición 2012), Creta
lateral travelling (2004, premio Café Món), Joan Fontaine odisea
(2005), Carne de píxel (2008, premio Ciudad de Burgos de Poesía), y
Antibiótico (2012). Su último libro de poesía es Ya nadie se
llamará como yo + Poesía reunida (1998-2012), editado por Seix
Barral. Postpoesía, hacia un nuevo paradigma, fue finalista del
Premio Anagrama de Ensayo 2009. Su blog es El Hombre Que Salió de La
Tarta http://fernandezmallo.megustaleer.com/. Junto con Eloy
Fernández Porta tiene el dúo de spoken word, Afterpop Fernández y
Fernández.
Aquest
taller explica el desenvolupament de la poesia sonora, a partir dels
anys cinquanta del segle XX, i la seva relació amb els altres
gèneres de la poesia oral i amb la tecnologia. També s’hi
repassaran els principals poetes que han deixat la màquina
d’escriure pel magnetòfon per endinsar-se en una escriptura
poètica que va més enllà del text i que alhora incorpora el
caràcter oral i efímer dels orígens de la poesia.
El
viatge començarà amb l’expansió del magnetòfon a l’Europa
dels anys cinquanta i l’ús que dos joves poetes, Bernard Heidsieck
i Henri Chopin, van decidir donar-li per crear la poesia del present.
A partir d’aquí i de tot el bagatge de les primeres avantguardes,
es va començar a teixir una xarxa europea que, abans d’internet i
els vols barats, anava de punta a punta amb una poesia que no
necessitava ser traduïda. Poc més tard vindrien els festivals i els
grups estables, com ara Fylkingen i els autors de text-sound a
Suècia, el Writers Forum de Bob Cobbing i el festival Polyphonix.
En
certa mesura, la poesia sonora tal com l’entenem és un gènere
netament europeu, que vol travessar fronteres estatals i
lingüístiques i que situa l’efímer, el cos, la veu i la
tecnologia al seu centre d’interessos. A més, la poesia sonora
permet, com ja havia fet la poesia fonètica dadaista, tornar la
força a l’expressió poètica i tornar als orígens, orals i
comunitaris, de la poesia.
Eduard Escoffet
7//Lenguajeo. María Salgado
7//Lenguajeo. María Salgado
The difference
between thinking clearly and confusion is the same difference that
there is between repetition and insistence. A great many think that
they know repetition when they see or hear it but do they. A great
many think that they know confusion when they know or see it or hear
it, but do they. A thing that seems very clear, seems very clear but
is it. A thing that seems to be exactly the same thing may seem to be
a repetition but is it. (Gertrude Stein).
La diferencia entre pensar claramente y la confusión es la misma
diferencia entre repetición e insistencia. Muchos piensan que
reconocen la repetición cuando la ven u oyen pero ¿lo hacen? Muchos
piensan que reconocen la confusión cuando la ven u oyen, pero ¿lo
hacen? Una cosa que parece muy clara, parece muy clara, ¿pero lo es?
Una cosa que parece ser exactamente la misma cosa parecería una
repetición, pero ¿lo es? (traducción libre).
Del 1 al 13 de
agosto de 2016 realicé una intervención de la megafonía de la
playa de la Kontxa (Donostia) a invitación de Mikel R. Nieto y José
Luis Espejo para la programación de El Observatorio de la escucha.
Decidir el contenido y la forma de las frases que ocuparían el
dominio auditivo (y de sentido) de toda la playa y asistir a la
reacción de las personas que en ella se congregaban, me permitió
reflexionar sobre asuntos que suelen preocuparnos a quienes nos
dedicamos a la poesía, o en concreto, qué entendemos cuando creemos
que nos entendemos. Me confirmó que la poesía es (o se hace) sobre
todo (de) lenguaje y sobre todo (de) desvío: desvío lingüístico.
En esta sesión me gustaría pinchar algunos audios de aquella
intervención, leer algunos textos y compartir unas notas de poética
sobre la noción de claridad y la noción de transparencia. 1 poema
de Juan Luis Martínez lo dice más claro,
pero ¿lo dice más claro?
+info María: http://globorapido.blogspot.com.es/
Seminario Euraca: https://seminarioeuraca.wordpress.com/
VÍDEO SESIÓN COMPLETA LENGUAJEO: https://youtu.be/zaWVcuFoJBA
VÍDEO SESIÓN COMPLETA LENGUAJEO: https://youtu.be/zaWVcuFoJBA
SEMINARIO 2015-16: ¿NUEVAS PRÁCTICAS POÉTICAS?
Un seminario anual para la poesía viva
que apenas encuentras en los libros.
¿Qué tienen en
común NikhilMelnechuck del afamado Bowery Club de Nueva
York, Cesar Reglero de la página web de poesía
experimental Boek 861, el poeta y crítico Alberto García
Teresa, el poeta y agitador cultural Eduar Escoffet, Xavier
Theros de Accidents Polipoétics, la artista
multidisciplinar Clara López Cantos o la profesora y
poeta Celia Corral Cañas?Que todas ellas crean, estudian,
fomentan y practican la poesía desde un enfoque postmoderno,
multidisciplinar o radical en su discurso. Una poesía que supera el
sacrosanto acto de la lectura pública, que rompe con los
compartimentos estanco entre poéticas y se dejan contaminar de otras
disciplinas artísticas
Poesía escénica, polipoesía,
ciberpoesía, videopoesía, poesía experimental, spoken word... son
subgéneros de la práctica poética marginados por la ortodoxia
literaria y sus garantes de la pureza del poema y, por tanto,
prácticamente desconocidos a día de hoy dentro de la comunidad
poética.Y cuando decimos desconocidas no nos referimos a no conocer
de su existencia sino a la falta de interés que las exhibiciones
públicas de las mismas suelen suscitar entre el resto de
poetas.Además, fruto de esta ignorancia, atendemos en multitud de
eventos, encuentros y festivales poéticos a que, en un intento de
vender al público aires renovados, con toda ligereza las anuncian y
hacen uso de ellas sin rigor alguno.
He ahí la necesidad de trabajar con
seriedad en una poesía que quiere ser postmoderna, coetánea de su
tiempo, pasajera del mismo barco que el resto de las artes, pero que
sigue atrapada en la tinta, enrocada en el conservadurismo y los
recitales/protocolo.
Este seminario viene a arrojar luz, a
intentar reconocer, conocer, acotar y definir lo experimental, lo
emergente, lo vanguardista, para conseguir componer un panorama claro
de lo que está pasando con las prácticas poéticas en la
actualidad: cuándo se originan, por dónde pasan y hacia dónde se
dirigen.
Para ello se centrará en dos ejes de
estudio:
1. El qué se dice.
2. El cómo se dice.
1. El qué se dice.
2. El cómo se dice.
Pero, ante todo quiere mostrar un mundo
de herramientas y posibilidades expresivas que han demostrado tener
capacidad para reconectar la poesía de nuevo con las personas. Una
poesía postmoderna que poco a poco empieza a aparecer también en
los libros.El seminario ¿Nuevas prácticas poéticas? Ofrece a todas
las personas, estudiantes o no, que quieran acercarse, la posibilidad
de aprender, no solo desde la escucha, sino también desde la
práctica. A aprender, no solo desde la teoría, sino desde la
exhibición y la muestra directa gracias a las posibilidades que el
nuevo espai cultural de la Facultat de Filología, Tradució i
Comunicació de laUniversitat de València nos ofrece.
Bienvenidos/as.
David Trashumante
1//Inroducción.
David Trashumante
Análisis de la situación.
La poesía es la única 1disciplina artística que no es percibida por la sociedad como un arte contemporáneo. Esto es porque la poesía, enquistada en lo textual, sigue abogando por superarse solo a través de ejercicios estilísticos que generan propuestas estéticas no siempre renovadoras.
En última instancia, lejos de generar un saber común y acumulativo, propio, por ejemplo, del saber científico, la poesía genera, entorno a unas pocas poéticas, centros que rivalizan entre sí. Centros cuyos acólitos defienden con fanatismo, como únicos garantes de la ortodoxia y la pureza de la poesía.Hasta el momento, la poesía, intenta mostrarse coetánea de su tiempo a través de la venta de las sucesivas generaciones que los críticos, editores y antólogos van amalgamando en un intento de imposición estética, al igual que en la moda se imponen las tendencias de cada temporada.
Última poesía española, poetas recientes, poesía novísima, nueva poesía, poesía futura, poesía de hoy... son palabras que aparecen en titulares de revistas y títulos de antologías. La novedad y la juventud son ofrecidos como los principales atributos de toda renovación. Una renovación basada en matar al padre e inserta en un sistema vertical y jerarquizado, más propio de regímenes autoritarios, y una necesidad de reclamos constantes común al sistema capitalista. Una forma competitiva de practicar la poesía que dista mucho de su discurso humanista y su vocación universal. En última instancia es esta poesía de la escasez de lectores que traiciona en la práctica su discurso y contribuye a aumentar el número de engañados.
Justificación del Seminario.
Con el seminario ¿Nuevas prácticas poéticas? Pretendemos abrir un espacio a todas aquellas poéticas que a nuestro parecer escapan de la ortodoxia y, aunque ninguneadas la mayor parte de las veces, incluso denigradas, por la oficialidad literaria, están conduciendo a la poesía a cruzar el umbral de la postmodernidad y a abrir cauces más efectivos de comunicación entre ellas y el mundo. Superan el acto literario de la lectura pública, devenida en protocolo entre el escaso público y el poeta encantado de escucharse.
Para ello no sólo abordaremos poéticas que, manejándose en las reglas de la ortodoxia: el texto como medio y el libro como soporte, generan auténticos discursos de ruptura con lo imperante, si no también con aquellas que a través de hibridarse con otras disciplinas artísticas como la música, la pintura, la performance, el teatro, el cine... y nuevos medios y soportes como el vídeo, internet y lo digital, han consolidado, pasito a pasito, géneros como el spoken word, la poesía visual, la videopoesía, la polipoesía, la cyberpoesía... llevando a la poesía a territorios hasta ahora desconocidos. ¿O no?
Preguntas para separar el trigo de la paja.
Porque más allá de una muestra de poéticas, conscientes del estado de intrusismo que sufren géneros como la poesía escénica o la polipoesía, fatalmente denominada perfopoesía por algunos vendedores de remedios milagrosos, y la confusión reinante en muchos programadores de festivales de poesía que usan sin remilgo alguno estas etiquetas para vender como nuevo lo que viene siendo lo de siempre, el seminario busca ahondar en la práctica de las mismas con el objetivo de responder a numerosas preguntas.¿Cuánto deben estas poéticas a las vanguardias históricas?¿De dónde vienen? ¿Cuándo nacen?¿Qué es la poesía experimental?¿Aportan algo los nuevos soportes o son sólo artificio en la forma?Partiendo de que los temas de la poesía son los mismos desde Enheduanna, autora sumeria a la que se le atribuye el primer texto escrito de la historia ¿En qué medida estos nuevos géneros aportan originalidad a su tratamiento?¿Existe de verdad una poesía nueva y nuevas formas de practicarla?Para ello, poetas, gestorxs culturales y estudiosxs intentarán volcar su experiencia y saber.
Concluir para empezar en realidad.
En conclusión, el seminario ¿NPP? Nace de la necesidad de visibilizar una serie de formas de hacer poesía que son entendidas como emergentes por un sector muy aislado de la sociedad y que desgraciadamente es desconocida para la gran mayoría de la comunidad poética. Y esto lo decimos sin acritud, ya que, por ejemplo, tanto la ciberpoesía como la videopoesía son géneros que están empezando a ser estudiados ahora. Por tanto, este seminario es un intento de fijar un conocimiento de las mismas que nos permitan continuar creando desde el respeto y generar un escena que no sea sólo en apariencia renovadora.
2// Spoken Word. Nickhil Melchenuk
El spoken word es un movimiento que se originó a finales de los años 50 en los clubs y pubs dónde se reunían músicos de JAZZ y poetas de la generación beat. En esas jams, los poetas se vieron influídos por los ritmos, los fraseos y el vigor del jazz y empezaron a componer poemas dónde el ritmo y la prosodia primara sobre todo lo demás.
Un movimiento poético que vino a refrescar la escena academicista de la poesía de EE.UU. y conectar con la gente joven, desencantada, aburrida de una sociedad bienpensante y retrógrada.Una poesía que comienza a hablar de temas actuales con un estilo coloquial y alucinado, vertiginoso y sin pelos en la lengua. Una poesía que devolvía la palabra a las personas y dejaba de dialogar por tanto con las musas.
A partir de este momento, el spoken word se convirtió en la herramienta para comunicar un discurso ideológico que influyó profundamente en el movimiento hippy de los 60. El spoken word se unió a otras tradiciones de la oralidad como la africana y constituyeron el rap (que se conocería a partir de los 80 como Hip Hop). Así en mayo de 1968 los jóvenes poetas Abiodun Oyewole, David Nelson y Gylan Kain se unieron en Harlem para celebrar el cumpleaños de Malcolm X. Los Last Poets nacieron con la intención de luchar sin descanso contra el racismo y la pobreza.
El spoken word viene a recuperar también formas poéticas de clásicos de la literatura norteamericana como Walth Withman y Emily Dikinson. A día de hoy hay grandes artistas que han hecho su incursión en el spoken y grandes especialistas que recitan por todo el mundo. Por citar a algunos: Leonard Cohen, Jamika Ajalon, Fabian Villegas, Jello Biafra, Chi Cheng, Sage Francis, Gérard Ansaloni, Allen Ginsberg, Jesse Glass, Hedwig Gorski, Gil Scott Heron, Bill Hicks, Bocafloja, Timothy Leary, Ken Nordine, Alix Olson, Henry Rollins, Saul Williams, Mike Ladd, Lydia Lunch, Alan Vega, Genesis P-Orridge, Trebor Healey o Sheri-D Wilson
La poesía es la única 1disciplina artística que no es percibida por la sociedad como un arte contemporáneo. Esto es porque la poesía, enquistada en lo textual, sigue abogando por superarse solo a través de ejercicios estilísticos que generan propuestas estéticas no siempre renovadoras.
En última instancia, lejos de generar un saber común y acumulativo, propio, por ejemplo, del saber científico, la poesía genera, entorno a unas pocas poéticas, centros que rivalizan entre sí. Centros cuyos acólitos defienden con fanatismo, como únicos garantes de la ortodoxia y la pureza de la poesía.Hasta el momento, la poesía, intenta mostrarse coetánea de su tiempo a través de la venta de las sucesivas generaciones que los críticos, editores y antólogos van amalgamando en un intento de imposición estética, al igual que en la moda se imponen las tendencias de cada temporada.
Última poesía española, poetas recientes, poesía novísima, nueva poesía, poesía futura, poesía de hoy... son palabras que aparecen en titulares de revistas y títulos de antologías. La novedad y la juventud son ofrecidos como los principales atributos de toda renovación. Una renovación basada en matar al padre e inserta en un sistema vertical y jerarquizado, más propio de regímenes autoritarios, y una necesidad de reclamos constantes común al sistema capitalista. Una forma competitiva de practicar la poesía que dista mucho de su discurso humanista y su vocación universal. En última instancia es esta poesía de la escasez de lectores que traiciona en la práctica su discurso y contribuye a aumentar el número de engañados.
Justificación del Seminario.
Con el seminario ¿Nuevas prácticas poéticas? Pretendemos abrir un espacio a todas aquellas poéticas que a nuestro parecer escapan de la ortodoxia y, aunque ninguneadas la mayor parte de las veces, incluso denigradas, por la oficialidad literaria, están conduciendo a la poesía a cruzar el umbral de la postmodernidad y a abrir cauces más efectivos de comunicación entre ellas y el mundo. Superan el acto literario de la lectura pública, devenida en protocolo entre el escaso público y el poeta encantado de escucharse.
Para ello no sólo abordaremos poéticas que, manejándose en las reglas de la ortodoxia: el texto como medio y el libro como soporte, generan auténticos discursos de ruptura con lo imperante, si no también con aquellas que a través de hibridarse con otras disciplinas artísticas como la música, la pintura, la performance, el teatro, el cine... y nuevos medios y soportes como el vídeo, internet y lo digital, han consolidado, pasito a pasito, géneros como el spoken word, la poesía visual, la videopoesía, la polipoesía, la cyberpoesía... llevando a la poesía a territorios hasta ahora desconocidos. ¿O no?
Preguntas para separar el trigo de la paja.
Porque más allá de una muestra de poéticas, conscientes del estado de intrusismo que sufren géneros como la poesía escénica o la polipoesía, fatalmente denominada perfopoesía por algunos vendedores de remedios milagrosos, y la confusión reinante en muchos programadores de festivales de poesía que usan sin remilgo alguno estas etiquetas para vender como nuevo lo que viene siendo lo de siempre, el seminario busca ahondar en la práctica de las mismas con el objetivo de responder a numerosas preguntas.¿Cuánto deben estas poéticas a las vanguardias históricas?¿De dónde vienen? ¿Cuándo nacen?¿Qué es la poesía experimental?¿Aportan algo los nuevos soportes o son sólo artificio en la forma?Partiendo de que los temas de la poesía son los mismos desde Enheduanna, autora sumeria a la que se le atribuye el primer texto escrito de la historia ¿En qué medida estos nuevos géneros aportan originalidad a su tratamiento?¿Existe de verdad una poesía nueva y nuevas formas de practicarla?Para ello, poetas, gestorxs culturales y estudiosxs intentarán volcar su experiencia y saber.
Concluir para empezar en realidad.
En conclusión, el seminario ¿NPP? Nace de la necesidad de visibilizar una serie de formas de hacer poesía que son entendidas como emergentes por un sector muy aislado de la sociedad y que desgraciadamente es desconocida para la gran mayoría de la comunidad poética. Y esto lo decimos sin acritud, ya que, por ejemplo, tanto la ciberpoesía como la videopoesía son géneros que están empezando a ser estudiados ahora. Por tanto, este seminario es un intento de fijar un conocimiento de las mismas que nos permitan continuar creando desde el respeto y generar un escena que no sea sólo en apariencia renovadora.
2// Spoken Word. Nickhil Melchenuk
El spoken word es un movimiento que se originó a finales de los años 50 en los clubs y pubs dónde se reunían músicos de JAZZ y poetas de la generación beat. En esas jams, los poetas se vieron influídos por los ritmos, los fraseos y el vigor del jazz y empezaron a componer poemas dónde el ritmo y la prosodia primara sobre todo lo demás.
Un movimiento poético que vino a refrescar la escena academicista de la poesía de EE.UU. y conectar con la gente joven, desencantada, aburrida de una sociedad bienpensante y retrógrada.Una poesía que comienza a hablar de temas actuales con un estilo coloquial y alucinado, vertiginoso y sin pelos en la lengua. Una poesía que devolvía la palabra a las personas y dejaba de dialogar por tanto con las musas.
A partir de este momento, el spoken word se convirtió en la herramienta para comunicar un discurso ideológico que influyó profundamente en el movimiento hippy de los 60. El spoken word se unió a otras tradiciones de la oralidad como la africana y constituyeron el rap (que se conocería a partir de los 80 como Hip Hop). Así en mayo de 1968 los jóvenes poetas Abiodun Oyewole, David Nelson y Gylan Kain se unieron en Harlem para celebrar el cumpleaños de Malcolm X. Los Last Poets nacieron con la intención de luchar sin descanso contra el racismo y la pobreza.
El spoken word viene a recuperar también formas poéticas de clásicos de la literatura norteamericana como Walth Withman y Emily Dikinson. A día de hoy hay grandes artistas que han hecho su incursión en el spoken y grandes especialistas que recitan por todo el mundo. Por citar a algunos: Leonard Cohen, Jamika Ajalon, Fabian Villegas, Jello Biafra, Chi Cheng, Sage Francis, Gérard Ansaloni, Allen Ginsberg, Jesse Glass, Hedwig Gorski, Gil Scott Heron, Bill Hicks, Bocafloja, Timothy Leary, Ken Nordine, Alix Olson, Henry Rollins, Saul Williams, Mike Ladd, Lydia Lunch, Alan Vega, Genesis P-Orridge, Trebor Healey o Sheri-D Wilson
Como dice Dionisio Cañas, 30 años viviendo en la gran manzana, en un artículo aparecido en El Cultural en 2003 "Me interesa mucho el slam. Lo forman contadores de historias, en su mayoría de origen afroamericano e hispano. Comenzó como un cruce entre rap y spoken word, y se ha ido abriendo a todo aquel que tenga algo que decir fuera de los formatos tradicionales. Su explosión es un reflejo de la importancia que ha cobrado la palabra frente a la sobredosis que sufrimos de imágenes impactantes. Estamos saturados”
En españa lxs grandes especialistas del spoken son Víctor López y Mónica Caldeiro. Ambos dirigen Spoken Word BCN https://spokenwordbcn.wordpress.com/.
A día de hoy el spoken word es un movimiento internacional con infinidad de jams, festivales para su exhibición y que lo practican millones de personas en todo el mundo. En EE.UU. Tiene su propio pograma de tv.
Ha dado lugar a formatos de dinamización de recitales como el SLAM POETRY que va camino de ser un subgénero en sí mismo. El Slam Poetry es un concurso dónde el público vota. Un conrcurso que ya tiene campeonato internacional y europeo. En España contamos con la Federación Española de Slam Poetry y un campeón europeo Dani Orviz.
LA SESIÓN:
21 de octubre, 19 h. SEMINARIO: NPP? En esta ocasión conoceremos el SPOKEN WORD de primera mano y para ello contaremos con la presencia, desde Nueva York, de NIKHIL MELCHENUK. Contaremos con la traducción simultánea de Catalina Isis.En esta sesión habrá una primera parte de historia del Spoken Word y su evolución en EE.UU. hasta la actualidad. Un recital de Nikhil y un micro abierto (¡traed un poema para leer!). Finalmente cerraremos la sesión debatiendo en círculo entorno al Spoken Word ¿formato pop de la poesía o poesía popular?
Bio: Nikhil Melnechuk es una Film Poet de Massachusetts que vive en la ciudad de Nueva York, y se graduó en la Universidad de Wesleyan. Es Director Ejecutivo del Bowery Arte + Ciencia en el Bowery Poetry Club, y bajo la tutoría del fundador Bowery Poetry, el poeta y activista Bob Holman.
Sus poemas han sido publicados en The Brooklyn Rail, Ostranenie, Poet Sculpture: Free, and The Poet in New York: Year One (de próxima publicación), y ha realizado las películas Lena’s Complicated Machine y Witness Downtown Rising Renga. Ha recitado en el MoMA, el Museo de Queens, MASS MoCA, Charlie Parker Jazz Festival, HOWL! Festival, y en numerosos lugares alrededor de Nueva York. Puedes escucharle en El Poeta en Nueva York, micro abierto del Bowery Poetry, los lunes a las 21:00.
ENTREVISTA A NIKHIL: http://www.brooklynrail.org/2015/04/criticspage/nikhil-melnechuk-with-bob-holman
VÍDEO: https://www.youtube.com/watch?v=HC0l23L2Eq0
Y conoceremos el proyecto BOWERY CLUB:
LINK A LA PÁGINA DEL BOWERY: http://www.bowerypoetry.com
ÁRTÍCULO SOBRE EL BOWERY CLUB http://www.villagevoice.com/music/bowery-poetry-club-introduces-the-old-guard-to-the-new-scene-with-workshop-series-7594032
MAGAZINE ONLINE DONDE SE PUBLICAN LOS POEMAS DE LOS POETAS DEL BOWERY: http://www.thepoetinnewyork.com/
NOS VEMOSSSS!!!!
3// Poesía Visual. César Reglero.
AVISO: ESTA SESIÓN CONTENDRÁ UNA PARTE PRÁCTICA EN LA CUAL CADA UNX REALIZARÁ UN POEMA VISUAL. SE RUEGA MÁXIMA PUNTUALIDAD.
La poesía visual es prácticamente tan vieja como la poesía escrita. Así, se atribuyen sus inicios conocidos al caligrama El huevo del poeta griego Simias de Rodas allá por el 300 a. C.Más cerquita, en nuestro país, durante el barroco del siglo XVII, tenemos los romances mudos de Juan Díaz Rengifo y avanzando en el tiempo poetas como Ramón Gómez de la Serna, Gerardo Diego, Juan Larrea, Guillermo de Torre, Eduardo de Ory o Agustín Aguilar intentaron indagar en algo que fuera más allá de lo textual. Pero fué de la mano de Joan Brossa sobre todo y poetas como Juan Eduardo Cirlot,o Fernando Millán, influenciado por las primeras Vanguardias históricas, como el Futurismo el Dadaísmo o Cubismo, que la poesía visual se constituyó como tal.
A día de hoy, gracias a la democratización tecnológica, sobre todo en el uso de programas de diseño y retoque fotográfico, la poesía visual ha alcanzado unos niveles de producción, con miles de autorxs y propuestas sólo en nuestro país, nunca conocido hasta ahora. Un nivel de producción que contrasta con el de exhibición, abocada a circuitos marginales y espacios insuficientemente financiados. A pesar de la abundancia de propuestas poéticas de valía com la de los poetas: Josep Maria Junoy, Ernesto Giménez Caballero, Àngels J.Sagués, Gustavo Vega, Juan Hidalgo, José Luis Castillejo, Cooperativa de Producción Artística y Artesana, Felipe Boso, Francisco Pino, Guillem Viladot, Isidoro Valcárcel Medina, Ulises Carrión, José-Miguel Ullán, Ángel Sánchez, Claudia Quade Frau, Antonio Gómez, Francisco Peralto, Bartolomé Ferrando, J. M. Calleja, Eduardo Scala, Carles Santos, José-Carlos Beltrán, Fátima Miranda, Rafael Peralto, Toni Prat, J. Brustenga-Etxauri, Edu Barbero, Ibírico, César Reglero, Francisco Aliseda, Xavier Canals, Isabel Jover, Carmen Peralto, Rafael Marín, Antonio Orihuela, J. Ricart, Josep Sou, Miguel Jimenez, Nieves Salvador, Agustín Calvo Galán, José Luis Campal, Sergi Quiñonero, Isabel Jover, Mar Arza, Mar Lozano, Raquel Bullón, Eva Hiernaux y Sara Huete entre otrxs muchxs...; de premios de prestigio como el Premio de Poesía Experimental de Badajoz, el Francisco Pino de Valladolid, el de Poesía Experimental de Chiba o el de la Asociación de Escritores de Euskadi; de Festivales como el Expoesía de Bilbao, el defenestrado Proposta de Barcelona y espacios como Centro de Poesía Visual de España en Peñarroya-Pueblonuevo, o el Vostell de Malpartida de Cáceres, son escasos lxs poetas que han llegado a calar en el gran público y a exponer en espacios de relevancia. Algo que hace de poetas como el mencionado Joan Brossa y el contemporáneo Chema Madoz una rara avis de la poesía Visual.Pero si hay alguién en la actualidad que hace por difundir la práctica de la Poesía Visual ese es sin duda nuestro ponente: César Reglero.
Poeta Visual ApropiacionistaSu relación con la poesía visual “catalogada” data de 1988, fecha en la que inicia sus primeros contactos con el Mail Art. Años antes ya hacía poesía visual pero ignoraba que la estaba haciendo (1971-1987). Sin embargo, su trayectoria en Mail Art le hace relacionarse inmediatamente con los más activos poetas visuales españoles. En 1998 hizo de su estudio un centro de documentación de Mail Art al que denominó AMMA‐TDS (Archivo Museo de Mail Art y Poesía Visual del Taller del Sol), sin embargo, lo denomina el Museo de Lo Imposible, por cuanto es imposible hacer museable lo esencial del Mail Art, que no es otra cosa que la amistad y las ideas. Así que su objetivo no fue nunca exponer lo recepcionado sino recrear el espíritu del Mail Art y servir de base documental para estudiosos del tema, tesis y tesinas de la materia.Al mismo tiempo dirige la publicación electrónica de Mail Art y Poesía Visual Boek861. En esta publicación se han realizado varios debates sobre el tema y tiene editados poemas visuales-electrónicos de un centenar de poetas visuales españoles e internacionales.
El Boek861, y gracias a la colaboración de Eduardo Barbero, tiene actualmente su extensión en su blog Boek Visual, que actualmente se encuentra editando una antología electrónica actualizada al 2014, con carácter internacional. Existe también una edición en papel del Taller del Sol centrada en el mail art y el arte experimental que lleva publicados 200 números.Ha impartido talleres de Poesía Visual en la Escola d'Art i Disseny de Tarragona durante la Semana Cultural; en los cursos de verano de la Universidad Rovira i Virgili de Tarragona; en el I.E.S. Aquis Celonis de Caldas de Reis, Pontevedra: sobre el Signo y la Escritura Creativa; Simposium de Arte Contemporáneo de Verbania, Milán, Sormano y Nápoles (todos ellos en Italia).Ha publicado artículos y realizado entrevistas relacionadas con la materia en El País, El Punt, Catalunya Sud, El Periódico, La Vanguardia, El Diari de Tarragona, Heterogénesis. TV1, TV2, TV3, Canal +. Igualmente tiene publicados artículos en las principales ediciones electrónicas de poesía visual, tanto de carácter nacional como internacional.Ha realizado exposiciones individuales de poesía visual en la Comuna Baires de Milán, en el Recinto Firal de Monzón (beART); Antic Ajuntament de Tarragona; Centro Multimedia LA PAPA; Sala Unión Latina de Montevideo (Uruguay); Escuela de Artes Plásticas de Maldonado (Uruguay); Bienal de Poesía Experimental de Euskadi (Ex!poesía 2010).Ha participado en varias exposiciones colectivas de Poesía Visual y Libros de Artista en España, Italia, Portugal, Argentina, Alemania, Brasil, Japón, (…). Ha participado en exposiciones colectivas de Mail Art con obra de poesía visual en más de un centenar de exposiciones. También tiene obra en el Museo de Poesía Visual de Valladolid y en el Centro de Poesía Visual de Peñarroya (Córdoba).Tiene obra de poesía visual publicada en una veintena de ediciones nacionales e internacionales, y varias ediciones individuales de poesía visual con Ediciones Corona del Sur y Labcrom di Sol.Ha formado parte del Jurado del Premio Internacional de Poesía Visual de Vespella de Gaia (Coincidiendo en dicho jurado con Joan Brossa, Rafael Bartolozzi y Bigas Luna).Ha organizado muestras de poesía visual y net art: Contra la Violencia de Género (diversos centros de enseñanza): Por el Derecho a la Educación (para Amnistía Internacional); Stop Desahucios (Exposición itinerante en Andalucia).
ENTREVISTA TVE: http://www.rtve.es/alacarta/videos/creadores/aventura-del-saber-serie-creadores-cesar-reglero/1907585/
+INFO: http://cesarreglero.com/#Cesar-Reglero
BOEK 861: http://boek861.com/
BOEK VISUAL: http://boek861.blog.com.es/
ADEMÁS CONTAREMOS CON LA PRESENCIA DE PACO PÉREZ BELDA, poeta visual y editor de Ediciones Babilonia. Cuya colección "Pliegos de la Visión" es actualmente la colección más importante de poesía visual de España.
Os esperamos a todxs.
4// Videopoesía. Clara López Cantos.
En general, se tiende a entender el videopoema como su propio nombre indica: Video y poema. La lectura o el añadido de subtítulos a una serie de imágenes y música, pudiendo ser ésta una categoría previa desarrollo de un lenguaje más maduro del videopoema o un malentendido causado por la tradición poética; el videopoema funciona con un código diferente al poema entendido de forma tradicional. Es una pieza independiente, una combinación de todos sus elementos (imagen, sonido y palabras) para llegar a una composición. El video no tiene por qué ser un elemento de decoración a un poema ya escrito, sino que debe funcionar como soporte con un lenguaje propio. Para comprender este género comenzaremos la sesión viendo las reflexiones que se han hecho en cuánto al mismo, para después sumergirnos en un visionado de diferentes videopoemas.
En el caso del videopoema, sus raíces nos remontan a los inicios de la poesía visual y experimental, y se refuerzan con el cine poético y el videoarte; todos estos parámetros nos harán comprender la naturaleza de este lenguaje.En la poesía visual/experimental encontramos gran diversidad de soportes utilizados, a lo largo de su historia demostrando la sugerencia poética en la realidad que se materializa. Por ello no es sorprendente que el video sea un nuevo soporte dentro de esta rama, ya que además nos permite crear a partir de la realidad inmediata cualquier poema. Es similar a un cuaderno de apuntes. En la historia encontramos movimientos en los que ya se comenzaba a interactuar con otros elementos visuales y sonoros que hacían que la poesía saltase del plano del papel.
Algunos ejemplos a nivel internacional fue el movimiento futurista, que experimentaron de manera accionista, visual y sonora: "La radio futurista" (1933) fue un experimento de Marinetti indicador para la poesía a través de medios de la época, poesía sonora. El "ready-made" de Marcel Duchamp fue un hecho significativo, sus obras suponen un cambio de código en el lenguaje del arte, un juego para el intelecto y una puerta abierta hacia la experimentación. Entre la obra de Duchamp podríamos encontrar el primer videopoema de la historia "Anémic Cinéma", (1926):
En EEUU, El primer happening, promovido por Cage, se celebró en 1952 en el "Black Montain", el primero de numerosos happening y conciertos, conceptos que también acogió el grupo Fluxus. Además aquí encontramos la aparición del video, a modo de documentación, pero ya empezaba a hacer sus primeros papeles. Con Nan June Paik pasaremos del happening a los inicios del videoarte.A nivel nacional, varios autores incentivaron la utilización del video: En 1909 llegaba el eco del Manifiesto Futurista a España, donde Ramón Gómez de la Serna comenzaba a utilizar diferentes medios para materializar la poesía. Difundió el movimiento futurista y se mantuvo contacto con Marinetti. La obra de Ramón Gómez de la Serna como la de los artistas antes citados, es el primer cambio de medio poético, son anticipos a posteriores movimientos artísticos.La poesía de Joan Brossa se extendió en numerosas ramas, entre ellas desarrolló su intereses por la acción poética. Encontramos diferentes guiones poéticos en su extensa obra como “Orisal” (1959); “Cavall al fons” (1962) o “El Savater” (1975) que se han llevado a escena. Pero las obras más significativas en influyentes para el videopoema fueron las creaciones que realizó para el director de cine Pere Portabella entre las cuales encontramos “Foc al càntir” (2000) y “No compteu amb els dits” (1967). También nos resulta relevante e influyente su trabajo realizado para la televisión catalana y que significa un claro precedente al videopoema en España. Durante un tiempo realizo las entradas y cortinillas que publicitaban la cadena de televisión: es un híbrido entre el videopoema y la publicidad que encontramos en la televisión actualmente.
La época vanguardista fue un primer paso hacia la creación poética en el medio audiovisual, algunas obras de gran influencia en el videopoema son los experimentos futuristas y dadaístas como “El retorno de la razón” (1923) de Man Ray; “Entr` acte” (1924) de René Clair; “Ballet Mecánique” (1924) de Fernand Léger. Todas son piezas que se fundamentan en la imagen y en la relación visual a través del montaje, sin una finalidad de historia narrativa. En España uno de los antecedentes directos de esta corriente es el film “Un perro andaluz” de Luis Buñuel y Salvador Dalí, un film visual y lleno de metáforas. Otros movimientos significativos dentro del cine, es el “cine directo” y las películas de Jonas Mekas (entre otros).“Ballet Mecánique” de Fernand Léger:
Jonas Mekas: http://jonasmekas.com/diary/
Un proceso importante que la producción del video trae consigo, es el montaje, este es el modo en el que se compone el videopoema, por el cual se estudia el ritmo y se combinan los planos y el sonido; una cualidad que descubrió y experimentó Dziga Vértov y las vanguardias del cine poema (entre otros), y que debe adaptarse a cada ámbito. Por ejemplo, algunos de los géneros cinematográficos se determinan por el montaje utilizado. Gracias a este proceso se obtiene el carácter del trabajo. El videopoema se utilizaría de la misma forma para llegar a que comunique el poema por sí mismo, además en esta sesión estudiaremos las posibles “tipos de videopoemas” existentes dependiendo de su forma de realización, y lo haremos visionando trabajos de videopoetas actuales. Entre ellos, encontramos a Dionisio Cañas (http://dionisioc.com/) su condición de poeta siempre ha mantenido un estrecho vínculo con el arte, su poesía no finaliza en las palabras, abarca el campo de acción y los medios artísticos: canaliza el instante y lo proyecta en las palabras utilizando un medio u otro: “toco muchas teclas, pero mi piano es la poesía ”. Un antecedente de los videopoemas que encontramos en las obras de este colectivo artístico fueron las piezas de video que realizaron para el programa Metrópolis de de TVE 2 como: “Los banqueros también ganan”, “Distinguido y elegante” o “La opción que le da más tanto por ciento de interés”, todas del año 1990. Desde entonces su actividad vinculada al video no ha cesado; incluso también estudiando y reflexionando sobre el género, reflejado en su publicación “Videopoemas 2002-2006”. Podéis ver un anticipo de su obra en su canal de youtube: https://www.youtube.com/user/1919dc/videos
Nos encontramos con un medio que crece en medio de un escenario de confusión, que no tiene límites establecidos ni teorías excesivamente desarrolladas, algunos teóricos que han estudiado este género y que revisaremos serán: Eduardo Kac, Giorgio de Marchis, Zazil Alaíde Collins, Dionisio Cañas, entro otros. A pesar de la escasez de estudios, este medio crece, y también los contextos en los que se mueve. Además del visionado de videopoemas, analizaremos los contextos y lugares donde actualmente se expande, para finalmente terminar con un coloquio en el que debatiremos sobre la naturaleza de este género, definición y vías de expansión.
Por último, os adjuntamos un listado con algunos de los festivales de videopoesía que hay en la actualidad, ya que no tendremos tiempo para explorarlos con detenimiento el día del seminario. Bon apetit.
Algunos festivales actuales referentes:
Videobardo: http://www.videopoesia.com/
Ex poesía (Bilbao) : http://www.videopoesia.com/
Fractal poesía (Albacete): http://www.fractalpoesia.com/
Ciné poème, Bézons, Francia: https://www.facebook.com/Cin%C3%A9-Po%C3%A8me-318502761498416/timeline
Film Poem (Scotland):http://filmpoem.com/
Festival Zebra (Berlín): http://www.literaturwerkstatt.org/en/zebra-poetry-film-festival/home-zebra-poetry-film-festival/
October (Roma): http://www.doctorclip.org/abouteng.html… entre otros.
Clara López Cantos(artista)
Gracias a Clara por el texto, y para que sepáis algo más de ella...
Finalizó estos estudios con un trabajo de investigación sobre videopoesía. Actualmente está realizando su segundo documental, centrado en el poeta Dionisio Cañas e investigando sobre poesía dentro del medio audiovisual, dentro del Doctorado en Investigación en Humanidades, Artes y Educación, a través de la Universidad de Castilla La Mancha, bajo la dirección de José Antonio Sánchez e Isis Saz.
Es vicepresidenta y cofundadora de la Asociación Acento Cultural (acentocultural.com) y directora de los proyectos: “Talleres ON/ACCIÓN” y “Perro, demasiado humano” (perrodemasiadohumano.com)
Ha trabajado en el ámbito de la gestión cultural, como profesora de artes plásticas y también en el ámbito creativo en edición de imagen. Actualmente trabaja como ilustradora y diseñadora en CIDEAD, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Madrid)Como artista ha participado en numerosas exposiciones y festivales, nacionales e internacionales, en el ámbito plástico y audiovisual.
Actualmente su web está en construcción, pero puedes seguir sus noticias a través de su página en Facebook: https://www.facebook.com/Clara-L%C3%B3pez-Cantos-152765044789951/
o en su canal de Vimeo donde se encuentra parte de su trabajo audiovisual:https://vimeo.com/user8485110
Espero que sea de vuestro interés.
Nos vemos en el próximo NPP?
Un gran abrazo.
4// Poesía de la conciencia crítica. Alberto García Teresa.
Desde hace dos décadas, desde la
publicación de Cántico de la erosión, el primer poemario de Jorge
Riechmann, en 1987, se puede registrar en la poesía española una
corriente concreta de poetas que abordan una crítica del sistema
sociopolítico actual de múltiples maneras pero con un mismo
enfoque: el abordaje desde dentro de los conflictos políticos,
económicos, ecológicos y de género actuales. Resulta un movimiento
aún abierto, que, hoy día, continúa generando obras de calidad,
sumando nuevos autores y que, no en vano, se corresponde con un
momento de creciente interés y producción de una poesía atenta a
estas problemáticas en España. Se trata de la «poesía
de la conciencia crítica».
La característica
básica de esta tendencia poética (porque, dada su diversidad
estética, de afinidades y generacional no puede ser considerada en
términos de «grupo») reside en que, mediante diferentes registros
y estéticas, manifiesta de manera explícita o implícita el
conflicto socioeconómico en sus versos desde dentro, como parte de
él, situándolo como eje, como
aspecto central, en toda su producción. A partir de él y con él, vertebran toda su percepción y su expresión poética. Este planteamiento les permite abordar multitud de temas pero siempre desde la interiorización lírica del conflicto. Además, esa plasmación revela un planteamiento de oposición; un tratamiento abiertamente crítico de dichos asuntos. Así, estos poetas no sólo reconocen la situación de conflicto, sino que la denuncian adoptando una perspectiva de clase social que se revela incluso cuando tratan temas de naturaleza íntima (como, por ejemplo, el amor, pues no viven ni hablan de igual manera de su relación dos personas rentitas que una pareja abrumada por el paro o por la precariedad laboral).
El comienzo de esta corriente coincide con la caída del campo soviético, la consolidación del capitalismo de consumo como ideología hegemónica, la constatación del desastre ecológico y la articulación de nuevos movimientos sociales y de resistencia política. No obstante, la «poesía de la conciencia crítica» recoge el hilo de poesía crítica que ha atravesado la historia de la literatura española, y que, desde la Edad Media, ha ido aportando puntos de mayor o menor potencia crítica, más o menos visibles. El más relevante de todos esos hitos ha sido la «poesía social» de los años cincuenta. Sin embargo, frente a ella y frente a intentos teóricos más próximos en el tiempo (como «la otra sentimentalidad»), la «poesía de la conciencia crítica» presenta una serie de singularidades que van mucho más allá de la obvia diferencia de responder a un contexto histórico y social distinto. Aspectos como la modulación, el lugar de enunciación, la diversidad formal (una de sus fortalezas) o la amplitud del espectro ideológico manifiestan las particularidades de un movimiento poético constituido desde el presente y para responder a él.
Así, frente a otros poetas que se acercan de manera puntual a problemáticas sociales, incluso realizando piezas circunstanciales de denuncia explícita, o movimientos que han abordado estos asuntos con anterioridad, los autores de la «poesía de la conciencia crítica» lo llevan a cabo de una forma estructural, orgánica dentro de su obra, como base de su percepción de la realidad, del entorno, de los otros y de sí mismos; como principio básico de su escritura. Estos poetas no denuncian hechos circunstanciales o sus consecuencias (o no sólo eso, ni principalmente), sino que plasman una crítica a los mecanismos que hacen posible las situaciones actuales de injusticia y de desigualdad; aquellos que las provocan, que las sostienen y que consiguen que se mantengan. Se trata, en definitiva, de una práctica poética profundamente anticapitalista, que cuestiona radicalmente (en tanto que va a la raíz) el sistema actual. Por todo ello, esta escritura no puede entenderse en términos de una mera opción estética, sino de una postura ética y política.
En definitiva, la «poesía de la
conciencia crítica» se lanza, desde dentro de los conflictos
sociales (de ahí su diferencia con otros prácticas de poesía
crítica anteriores y coetáneas), a construir líneas que cuestionan
y ponen en tensión el discurso dominante, la percepción de la
realidad que nos es dada y, en definitiva, todo el sistema político,
económico e ideológico actual.
Declaración ante la policía de Moratalaz. Poema de María Ángeles Maeso from Rut Suso #moviethinking on Vimeo.
Declaración ante la policía de Moratalaz. Poema de María Ángeles Maeso from Rut Suso #moviethinking on Vimeo.
Alberto
García-Teresa (Madrid, 1980) es doctor en Filología Hispánica con
Poesía de la conciencia crítica (1987-2011) (Tierradenadie, 2013),
y ha publicado también Para no ceder a la hipnosis. Crítica y
revelación en la poesía de Jorge Riechmann (UNED, 2014),
Disidentes. Antología de poetas críticos españoles (1990-2014) (La
Oveja Roja, 2015) y Nova mondo en niaj koroj (Calumnia, 2016);
recopilación en esperanto de poesía crítica española actual.
Ha sido coordinador de la revista de
crítica sobre ficción especulativa Hélice, codirector de
Jabberwock, antología anual de ensayos sobre literatura fantástica,
y redactor jefe de la revista Solaris. Ha escrito y escribe crítica
literaria y teatral en diferentes medios: Diagonal –en el que
coordinó la sección de «Libros»–, Culturamas –donde dirigió
los contenidos de poesía–, Ínsula, Quaderni Ibero Americani,
Quimera, Espéculo, Castilla. Estudios de literatura, Verba
Hispanica, Adarve, Ecozon@, Literaturas.com, Nayagua, Zurgai, Artes
Hoy, El Viejo Topo, Viento Sur, cnt, Rebelión, La República
Cultural, Ariadna-RC, Bibliópolis, Gigamesh o Prospectiva, entre
otros. Ha organizado ciclos de recitales y acciones poéticas en
distintos espacios.
Es autor de los poemarios Hay que
comerse el mundo a dentelladas (Baile del Sol, 2008), Oxígeno en
lata (Baile del Sol, 2010), Peripecias de la Brigada Poética en el
reino de los autómatas (Umbrales, 2012) y Abrazando vértebras
(Baile del Sol, 2013), así como de la plaqueta Las increíbles y
suburbanas aventuras de la Brigada Poética (Umbrales, 2008). También
ha publicado el libro de microrrelatos Esa dulce sonrisa que te dejan
los gusanos (Amargord, 2013). Sus poemas han sido traducidos al
inglés, al francés, al serbio, al rumano y al macedonio.
+INFO: http://www.albertogarciateresa.com/
5// Poesía fonética. Bartolomé Ferrando.
Bartolomé Ferrando (Valencia, 1951)
Performer y poeta visual. Estudió música y filología hispánica. Es profesor titular de performance y arte intermedia en la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Fundador de la revista Texto Poético. Como performer participa en festivales y encuentros celebrados en Europa, Canadá, México, Japón, Corea y Chile. Expone su poesía visual y concreta en diversas ciudades del España, Italia y Francia. Forma parte de los grupos Flatus Vocis Trío, Taller de Música Mundana y Rojo, dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción. Además de Texto Poético publica el ensayo Hacia una poesía del hacer y el libro teórico La mirada móvil, diversas grabaciones en MC, LP y CD y varios vídeos de performance. Su último proyecto es JOB junto al artista sonoro y luthier Truna.
EXTRACTO DE SESIÓN NPP?
6// Ciberpoesía. Celia Corral Cañas.
+info: http://dionisioc.com/?cat=20
5// Poesía fonética. Bartolomé Ferrando.
100 años hace del nacimiento de Dadá
y la consumación de la poesía fonética como una de las formas de
hacer poesía más transgresoras de la historia de la literatura. En
el seminario ¿Nuevas Prácticas Poéticas? queremos sumarnos a la
celebración del aniversario y para ello tendremos una clase
magistral del poeta fonético Bartolomé Ferrando.
Pero, ¿por qué incorporar un práctica
poética centenaria a un seminario de nuevas prácticas poéticas?
A nuestro entender, toda la poesía
experimental, de la que forma parte el fonetismo, viene siendo
relegada por la oficialidad literaria a los márgenes de la cultura.
Por lo tanto, el fonetismo, como otras disciplinas como la poesía
visual, la concreta, etc... siguen siendo prácticas poco conocidas
por el público. He ahí la razón de incluirlo en este seminario y
más si atendemos a la evolución de la poesía fonética desde los
años 70 a esta parte, su evolución constante con la aparición de
nuevxs poetas y su imbricación dentro de la era tecnológica. Un
recorrido vivido en primera persona por nuestro invitado Bartolomé
Ferrando.
Pero comencemos por el principio:
Los primeros romper la baraja poética
fueron los futurístas -en oposición a los simbolistas-, hablaron,
en concreto Marinetti, de la declamación dinámica y sinóptica para
fijar las bases de lo que sería el recitado de poemas dentro del
grupo. Su canon de experimentación les llevó ha desarrollar un
amplio abanico de técnicas para la elaboración de poemas fonéticos:
poemas sin signos de puntuación, sin adjetivos, sin verbos –lo que
ellos denominaban “palabras en libertad”-, declamaciones
simultáneas, gritos, suspiros, aullidos y ruidos, de hecho, la
influencia de Luigi Russolo, padre del ruidismo y miembro del grupo,
fue más que notable, o quizás fue al revés. En cualquier caso, el
resultado eran unos poemas que generaban texturas sonoras capaces de
transmitir emociones, aunque el oyente no entendiera significado
alguno.
Por eso, el primer rasgo diferenciador
de la poesía fonética fué la abolición de la semántica como
forma de expresar emociones. A este respecto, los futuristas rusos
inventaron la lengua Záum: un intento de crear un lenguaje universal
dónde las palabras son vaciadas de su sentido racional permitiendo
una comprensión transmental.
Este testigo lo recogieron y
enriquecieron los dadaístas y para ofrecer en los años siguientes
diversas propuestas como los versos sin palabras de la antipoesía de
Hugo Ball o los poemas optofonéticos de Hausmann: letras combinadas
en la página para hacer oír con los ojos y ver a través de los
oídos.
El culmen de este proceso, a mi juicio,
fue la creación del poema Ursonate (Sonata de sonidos primitivos) de
Kurt Schwitters. Un magno poema en cuatro movimientos, una
introducción, un final y, en séptimo lugar, una improvisación. Un
poema que a día de hoy pocos poetas pueden llevar a cabo con
brillantez, a excepción de esa garganta prodigiosa de sonidos que es
el grandísimo Jaap Blonk.
Y es que otro rasgo importante de la
poesía fonética es su condición oral. Es decir, es una poesía
pensada para ser voz, más cuerpo al cuadrado, igual energía, su
pudiéramos aplicar la fórmula de un Einstein. Poemas dónde el
componente físico, y por tanto, sus límites son factores decisivos
que inciden en su fase de composición.
Ausencia semántica y vindicación de
la oralidad, era la forma en que los dadaístas querían negar el
mundo en su poesía. Un mundo en guerra, salvaje y racional al mismo
tiempo.
Con los años, la influencia de estas
vanguardias históricas, como demuestra Mamen Solanas en su ensayo La
poética de la vanguardia: el silencio y el ruido en el devenir del
verso libre, ha sido notable.
En los años 50, el ruidismo dio a luz
a la electroacústica; a optofonética al letrismo de Isou y,
hermanados a éste de alguna forma, la poesía concreta de Eugen
Gomringer o el grupo brasileño Noigandres con Pignatari y los
Campos.
En España, en concreto, entroncada en
la tradición de la Dau al Set catalan, nombres como Joan Brosa o
Juan Eduardo Cirlot o herederos castellanos como el vallisoletano
Francisco Pino, han inoculado a varias generaciones de este pais con
el virus de la experimentación poética.
El testigo lo recogieron poetas
fonéticos como Bartolomé Ferrando, Fátima Miranda, Pere Sousa,
Paco Aliseda, Jon Andoni Goicoetxea y Josep Sou o artistas sonoros
como Carles Santos o visuales como Antonio Gómez y Edu barbero entre
otrxs.
Nombres para la posteridad ya son los
desaparecidos Xavier Sabater, Cales Hac Mor y el performer Daniel
Maciá.
Y nombres para el futuro, que ya son
una realidad, Inma Bernils o el grandísimo Kaie Kellough por ejemplo.
En esta clase magistral que nos
ofrecerá Bartolomé Ferrando podremos adentrarnos en los misterios
del poema fonético.
Performer y poeta visual. Estudió música y filología hispánica. Es profesor titular de performance y arte intermedia en la Facultad de Bellas Artes de Valencia. Fundador de la revista Texto Poético. Como performer participa en festivales y encuentros celebrados en Europa, Canadá, México, Japón, Corea y Chile. Expone su poesía visual y concreta en diversas ciudades del España, Italia y Francia. Forma parte de los grupos Flatus Vocis Trío, Taller de Música Mundana y Rojo, dedicados al desarrollo de prácticas creativas situadas a medio camino entre la música, la poesía y el arte de acción. Además de Texto Poético publica el ensayo Hacia una poesía del hacer y el libro teórico La mirada móvil, diversas grabaciones en MC, LP y CD y varios vídeos de performance. Su último proyecto es JOB junto al artista sonoro y luthier Truna.
TODA SU OBRA la puedes encontrar en
http://bferrando.com/
6// Ciberpoesía. Celia Corral Cañas.
La poesía, género especialmente
flexible y poroso, abstracto y simbólico, tal y como ha demostrado
en su adaptación, desde sus orígenes, a los distintos canales y
formatos que se ha encontrado en su camino, en espacio virtual
encuentra un medio idóneo para su expansión libre y volátil.
En la Galaxia Internet la lírica ha
construido diversos caminos de expresión, desde la mera publicación
de textos en revistas digitales, blogs, redes sociales y otros
espacios, hasta la creación de nuevos géneros digitales que nacen
en el entorno virtual y se nutren de las características de este
nuevo ecosistema, géneros ciberpoéticos como la poesía
hipertextual (Ramón Dach, Intermínims de navegació poética), la
poesía computacional (Eugenio Tisselli, PAC; Gustavo Romano, IPPoetry), la poesía multimedia (Oscar Martín Centeno), la poesía
transmedia, la holopoesía (Eduardo Kac), la poesía creada para
tableta (Jason Edward Lewis, P.o.E.M.M.) y una gran variedad de
prácticas híbridas, fronterizas (Eduardo Kac; Belén Gache,
Wordtoys; Ana María Uribe, Tipoemas y anipoemas; Epímone).
Estas nuevas prácticas poéticas no
surgen, sin embargo, completamente ajenas a la literatura analógica,
sino que, por el contrario, tienen sus raíces en la tradición
literaria, desde la Antigüedad y, sobre todo, en las vanguardias
históricas y la Neovanguardia. De este modo, el ciberpoema sería
una de las materializaciones posibles, gracias a las cualidades
potenciales de los nuevos dispositivos electrónicos, del arte
vanguardista, con el que compartiría el carácter experimental, el
deseo de innovación, la búsqueda de un nuevo lenguaje poético, la
importancia de la imagen y del sonido como transcendencias del texto,
el esteticismo, la creación colectiva, el carácter lúdico y la
necesidad de un lector.
Por tanto, la fusión entre las
peculiaridades del nuevo territorio y las de la tradición del
ciberpoeta-explorador, demiurgo encargado de repoblar el ciberespacio
lírico, dará como resultado un paradigma de poesía digital
caracterizado por la pluralidad y el vínculo constante entre
innovación y retorno a las referencias culturales.
Por otro lado, el contexto en que
aparecen las líricas digitales y del que son reflejo y resultado
coincide con las grandes metáforas que expresan nuestro tiempo: el
“presentismo” y lo “efímero” (Maffesoli; Lipovetsky), la
“liquidez” (Bauman), el “simulacro” (Baudrillard) o lo
“lúdico” (Huizinga), así como lo “rizomático” (Deleuze y
Guattari) y, en definitiva, la relevancia de lo “estético”, el
valor del significante como significado, del medio como mensaje
(McLuhan). Por consiguiente, la ciberpoesía se origina en
consonancia con su entorno, tanto por el componente medial e
instrumental, como en conexión estricta con las demandas de nuestro
tiempo, que han podido ser caracterizadas como posmodernidad,
hipermodernidad o altermodernidad.
Celia Corral Cañas (Santander, 1987)
Licenciada en Filología Hispánica y
doctora en Literatura Española por la Universidad de Salamanca. En
la actualidad es profesora asociada en el departamento de Literatura
Española e Hispanoamericana de la Facultad de Filología de la
Universidad de Salamanca. Su tesis doctoral, “Nuevos ámbitos en la
creación de arte verbal. Poesía española contemporánea en la
red”, aborda las posibilidades de la lírica en el entorno virtual,
desde las alteraciones que se generan en el proceso de creación y de
recepción hasta los subgéneros poéticos que nacen en el medio
virtual.
Como creadora, ha obtenido, entre
otros, el “III Premio Internacional de Poesía Jovellanos. El Mejor
Poema del Mundo”, el primer premio de Poesía de la “34ª edición
de premios José Hierro”, el primer premio de Relato Breve de la
“33ª edición de premios José Hierro”, la mención de honor de
Relatos Cortos del “XV Certamen de Jóvenes Creadores 2014”, el
primer premio de Poesía del “XII Certamen de Jóvenes Creadores
2011” y el tercer premio de “VII Certamen de Relato Corto del
Consejo de la Mujer de Cantabria”. Por último, es redactora y
colaboradora del programa de radio universidad “Ojos de oriental”.
7// Poesía Participativa. Dionisio Cañas.
7// Poesía Participativa. Dionisio Cañas.
“EL GRAN POEMA
DE NADIE”
Con la basura de todos haremos El Gran
Poema de Nadie.
La creatividad participativa fue un
asunto que en el siglo veinte parecía reservado a poetas e
intelectuales; los juegos surrealistas y dadaístas son los efectos
más conocidos de este elitismo creador. El taller-acción El Gran
Poema de Nadie no es un juego exclusivo de poetas e intelectuales
sino que está dirigido a cualquier persona, de cualquier edad, que
quiera descubrir su capacidad creadora en relación con el lenguaje y
con una visión poética de la realidad que nos rodea cotidianamente.
¿Cómo curar una sociedad que no se
sabe enferma? Desde luego que la poesía no es la solución, pero es
reconfortante constatar que si en un taller de poesía colectiva,
colaborativa, las personas que participan se siente emocional y
creativamente conectadas, aunque sólo sea por unas horas, habremos
avanzado un poquito hacia una toma de conciencia que es
imprescindible para nuestra supervivencia futura: la respuesta
creadora colectiva, ante algunos de nuestros males sociales, no
resolverá todos nuestros problemas, pero sin duda será una
experiencia que quizás nos consuele y nos saque de nuestra soledad
por unas horas, quizás por unos días y quizás por toda una vida.
El taller-acción El Gran Poema de
Nadie puede poner en contacto durante su realización a personas y
grupos muy variados de la sociedad. Si bien la poesía colectiva es
el motivo inicial, en cada acción se descubre que lo fundamental es
la comunicación que se establece entre los participantes y el
entorno humano y físico donde se realiza. También se puede decir
que la desacralización de la poesía como un fenómeno privativo de
personas privilegiadas, de genios o de poetas, ayuda a que tanto los
talleristas como la gente disfrute de la poesía sin miedos ni
prejuicios. La euforia creativa que desencadena en los participantes
es muy positiva tanto desde el punto de vista personal como desde el
colectivo
“El Gran Poema de Nadie” consiste
en una acción poética participativa durante la cual se recogen y
reciclan palabras encontradas en la calle en carteles, cajas, envases
comerciales, y cualquier otro soporte en el cual hay palabras
impresas y que ha sido arrojado a la basura. El resultado es un texto
colectivo, un collage, en forma de banderola que se puede colgar en
un espacio público.
Durante la elaboración de “El Gran
Poema de Nadie” se produce una interacción social entre los
participantes y la gente de la calle, entre los mismos actuantes,
entre el lenguaje escrito e inscrito en el escenario urbano y el
habla. Esta dimensión social es tan relevante como el carácter
literario de la acción poética y su relación con la imagen
(imágenes encontradas que también se adhieren al texto) y con la
documentación fotográfica y de vídeo que se realiza paralelamente.
Los materiales que se han ido
acumulando a través de los años y las reflexiones de los
participantes, y las mías propias, son igualmente ilustrativas de un
proceso vivo que no se reduce a la producción de un texto; éste, en
sí, permanece abierto constantemente a lecturas y formas de verlo
muy variadas e inagotables. En suma, se trata de una “obra”
orgánica abierta cuyo carácter lingüístico es también un
detonador visual y un incitador para la comunicación oral y la
interacción social.
El carácter anónimo y efímero de “El
Gran Poema de Nadie” es intrínseco a su finalidad: hacer que los
participantes no se sientan poetas individuales sino poetas
momentáneos y solidarios, parte de un colectivo efímero, por lo
menos durante la realización del poema y, consecuentemente, lo
importante no es el texto que se realiza, y su conservación
posterior, sino que lo esencial es el proceso de su realización y la
interacción social que se produce. En suma, un modelo de
colaboración que se puede extrapolar a otros ámbitos de la vida
social.
El taller/acción “El Gran Poema de
Nadie (2002-2016)” ha sido realizado por Dionisio Cañas en lugares
tan diversos como Cuenca, Barcelona, Salamanca, Tomelloso, Nueva
York, Toulouse, Rabat, Madrid, El Cairo y la isla de Lesbos, Grecia;
éste último en dos campos de refugiados.
DIONISIO CAÑAS: nació en Tomelloso
(Ciudad Real) en el año 1949. Vivió en Francia nueve años y
residió en Nueva York desde finales de 1972 hasta el 2005; ahora
vive en La Mancha, España. Es catedrático retirado de la City
University of New York. Escritor-artista, sus libros más recientes
de poesía son: El fin de las razas felices, El gran criminal,
Corazón de perro, En caso de incendio, Videopemas, Y
empezó a no hablar, La balada del hombremujer, Lugar (antología
y nuevos poemas). También ha publicado varios libros de
ensayos: Poesía y percepción, El poeta y la ciudad: Nueva York,
Tomelloso en la frontera del miedo, Memorias de un mirón (voyeurismo
y sociedad), ¿Puede un computador escribir un poema de amor? (con
Carlos González Tardón) y El espíritu de La Mancha. Con
el grupo de artistas ESTRUJENBANK publicó en 1992 una colección de
textos: Los tigres se perfuman con dinamita. En la
actualidad prepara su obra reunida en 11 volúmenes: Diálogos
(1972-2012).
+info: http://dionisioc.com/?cat=20
-->
Gràcies David!
ResponderEliminarHola David,
ResponderEliminarno sé si te has dado cuenta de que la variedad de colores en la letra de este artículo impide una lectura relajada y atenta. ¿Es posible que unifiques el color de la letra a la establecida por Blogger para que pueda ser legible?
Un abrazo. Buen trabajo de recopilación.